IMPORTANTE

NUEVO REVIEW EN LA CUEVA

El disco que consagró a MIles Davis como uno de los grandes del Jazz, Bitches Brew

Alturas de Macchu Picchu, una joya de album

Sólo ellos, Los Jaivas, podían musicalizar un poema del gran Pablo Neruda en esta maravillosa obra

Progresivo del bueno, desde Quebec, Canadá

Conozcan y escuchen este tremendo disco de los canadienses de "Sloche", que de seguro les harán perder o quizás ganar un par de neuronas

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martes, 31 de julio de 2012

[2001] Shpongle - Tales of the Inexpressible (por Darío)

Cuando hablamos de música electrónica es inevitable recordar el clásico "punchi-punchi", ese que nos viene acompañando desde hace décadas en los carretes con el techno, house, trance, etc. Pero si reventamos esta burbuja en la que vivimos encerrados nos encontraremos con música electrónica que se escapa de los estándares conocidos por el simple mortal. Así fue como conocí a Shpongle, un grupo formado en 1996 por dos DJs ingleses (Raja Ram y Simon Posford) dedicados al goa trance psicodélico, quienes un día simplemente decidieron romper esta burbuja e ir más allá a explorar. Era el año 1998 cuando lanzaron su primer álbum, Are You Shpongled?, en el cual mezclan un kilo de música ambient con dos tazas de chillout, una pizca de goa y tres cucharaditas de trance, todo envuelto en una capa de psicodelia. ¿El resultado? Un disco de música electrónica totalmente diferente a lo antes visto: un género denominado por ellos mismos psybient, o ambient psicodélico.

Luego de esta informativa introducción me gustaría hablarles sobre su segundo disco, Tales of the Inexpressible, que quizás no sea el mejor (ni es mi favorito), pero siento que describe a Shpongle como lo que fue en sus inicios y lo que sería después. Esto se evidencia inmediatamente al escuchar la primera canción del álbum, Dorset Perception, al incluir nuevos sonidos e influencias dentro de su armamento musical (principalmente de España e India) y la adición de instrumentos reales como percusión étnica, guitarra, vientos y voz, sin dejar de lado ese sello característico que plasmaron en su disco debut. Es un tema bastante más "animado" que los de su disco anterior, un cambio que veremos muy a menudo en sus próximas producciones. Sin embargo, con el segundo track, Star Shpongled Banner, el dúo vuelve a sus orígenes ambient/chillout, usando incluso una voz sintetizada en vez de una real, para terminar en una sección completamente psytrance [Nota aparte: A Dança do Vampiro]. Después de deleitarnos con un sonido nuevo y otro nostálgico, el tercer track, A New Way to Say ‘Hooray!’, envuelve estas influencias electrónicas y sonidos étnicos (esta vez parece africana) de la mejor manera posible. Incluso el título advierte cierto significado a la canción, y una vez que lo escuchas es casi como si te estuviesen contando una historia sin palabras. Esta mezcla se extiende hasta la siguiente pista, Room 2ॐ [obviamente se supone que dice 23, pero ese es el símbolo del Om, el mantra sagrado], en donde describen lo que significa estar shpongled (“to be shpongled is to be kippered, mashed, smashed, destroyed... completely geschtonkenflapped”) al tiempo que se oyen las secciones de sintetizadores y de coros, hasta llegar a un relajante bossa nova casi electrónico. My Head Feels Like a Frisbee continúa con esta línea semi-étnica, en donde también podemos escuchar a Raja Ram luciéndose otra vez en la flauta traversa. Luego aparece nuevamente la guitarra española hasta que la canción se convierte en un Festival de Rio, high as the moon. Y tan alto como la luna, escuchando Shpongleyes no pude evitar imaginarme caminando tranquilamente por una gran calle en una ciudad, viendo diferentes personas y situaciones en el camino. Hasta que de repente alguien se acerca a hablarme, y por alguna razón todo se vuelve un caos en una larga secuencia drum n’ bass, continuado por la tranquilidad de Once Upon the Sea of Blissful Awareness. El retorno al psybient puro, con esas líneas de bajo y esos sintetizadores tan característicos, más una voz con reverb infinito, todos dignos de un perfecto new age. Vuelve esa guitarra española en la introducción de Around the World in a Tea Daze, hasta reencontrarse con ese sonido psybient-étnico a lo largo del resto de la pista, con música electrónica mezclada con sonidos muy característicos de la India.

Regresan Ram con una interpretación en flauta y una voz cantando en hindi y latín, hasta pasar por una sección chillout con cantos en turco, y terminar en una restructuración de la canción en formato psytrance. La voz cada vez con más reverb y uno que otro efecto. Y de postre, Flute Fruit. Un tema dedicado principalmente a la flauta de Ram, y la armonía que provoca es el perfecto final para este largo viaje.
Tracklist:

1. Dorset Perception
2. Star Shpongled Banner
3. New Way To Say 'Hoooray!'
4. Room 23
5. My Head Feels Like A Frisbee
6. Shpongleyes
7. Once Upon The Sea Of Blissful Awareness
8. Around The World In A Tea Daze
9. Flute Fruit

jueves, 19 de julio de 2012

[2002] Porcupine Tree - In Absentia (por Mr. Beardy)

Era el año 2009. Mi obsesión por la banda Dream Theater seguía férrea y el escuchar sus discos una y otra vez era un hábito de casi todos los días, durante años.

Lamentablemente, o más bien, afortunadamente este ciclo se rompió en mil pedazos cuando una tarde un buen amigo me hizo un comentario "¿Dream Theater? deberías escuchar a una banda de verdad". Obviamente tal comentario produjo una incómoda reacción defensiva seguida de un "¿ah sí?" incrédulo.

La canción Blackest Eyes, primer tema del disco In Abentia del año 2002 y objeto de esta review, dio comienzo a un camino de descubrimiento maravilloso hacia uno de los grandes exponentes del rock psicodélico y progresivo, los ingleses Porcupine Tree.

En ese momento yo no lo sabía, pero el disco de esta review representa un antes y un después en la historia de la banda, particularmente por la salida del baterista Chris Maitland y el ingreso de Gavin Harrison, además de un marcado paso hacia elementos musicales que van más allá de lo psicodélico, como riffs distorsionados bastante pesados que en conjunto con la fundación rítmica del bajo y la batería le otorgan un matiz metálico a la banda, sin perder nunca la esencia rockera y no metalera que los caracteriza.

In Absentia relata la historia de un hombre que eventualmente se convierte en psicópata y asesino, desde su infancia hasta su adultez. El carácter oscuro encaja perfectamente con la música. Es el disco de la belleza macabra.

Vamos entonces a sumergirnos en este gran disco!
1) Blackest Eyes: El solitario riff de guitarra eléctrica acompañado de sonidos sintetizados, dan la sensación de que algo grande esta por venir, pero yo no estaba preparado para la impresión final que esta canción completa causaría en mí. Poco después, con una abrupta y poderosa entrada, Gavin Harrison se hace presente en las baterías, provocando interés inmediato y una curiosidad que pocas veces había experimentado al escuchar música nueva. La producción musical es exquisita. El riff es bastante bueno, pesado y oscuro pero lo más notable es el contraste aural que existe entre esta introducción y el verso que es de carácter muy melódico y de una cualidad casi etérea, la cual se intensifica con las bellas melodías en el pre-coro y coro.
Letras como
"A mother sings a lullaby to a child
 Sometime in future the boy goes wild
 and all his nerves are feeling some kind of energy"

presagian de una manera muy bonita el futuro sórdido y macabro de esta persona.
Sin duda estaba enfrentando algo especial y me cayó como una piedra en la cabeza de que sí de verdad existe música rockera moderna que puede comunicar tanto o más con elementos simples y bien compuestos, sin excesos virtuosos o en los arreglos musicales.

2) Trains: Mucha gente que conoce a Porcupine Tree acabadamente o no, diría que esta canción es su "hit". La verdad es que detesto la palabra porque es discriminatoria en contra de música que no es designada como tal y que también es verdaderamente notable. En el caso de Porcupine Tree tienen muchísimas canciones con gran contenido tanto musical como lírico.
Trains se caracteriza por ser una canción que provoca melancolía, pero no del tipo triste. Se le llamará entonces melancolía feliz jajaja, quizás a uds. también les provoque lo mismo. Es del tipo de canciones charangueras que lo invitan a uno a pescar la guitarra acústica y aprender la canción a como de lugar, con un inglés deplorable. Posee ciertos rasgos que aluden a Radiohead.
La canción tiene por objeto a los trenes y las líneas ferroviarias en verano, como ícono de memorias nostálgicas del pasado. Representa los cálidos recuerdos del personaje principal de esta historia.

3) Lips of Ashes: Este tema es probablemente uno de los más etéreos de todo el disco, con sus exóticos sonidos en la intro, el hipnótico riff de guitarra acústica perpetuo y espaciosas lineas floydianas de guitar swells (o notas de guitarra sin ataque, imitando un violín).
Con letras como
"Idolised
 Black Eyes fading
 You and I
 Connection failing
 I drill down inside"

marca quizás el comienzo de la caída en espiral que ocurre en la mente del personaje en la historia, producto de una ruptura sentimental.

4) The Sound of Muzak: Esta canción es un paréntesis dentro de la historia de nuestro personaje.
El mensaje es claro y sin segundos significados. Es básicamente una queja personal de Steven Wilson hacia la podredumbre y banalidad musical de los medios masivos.
Es de especial notoriedad la impecable ejecución de Gavin Harrison en baterías.

5) Gravity Eyelids: El escuchar los fantasmales acordes de coros de mellotron dan una sensación inmediata de oscuridad y sentimientos funestos. Si se le suma una base de trip hop realmente se crea una atmósfera rítmica especial.
Aquí se ven atisbos de desesperación en nuestro personaje con letras como
"Open your eyes now
 Hear me out before I lose my mind
 I've been waiting for hours
 Let the salt flow, feel my coil unwind"

El tema progresa en esta senda oscura y posteriormente se suma la batería, para después calmarse y volver furiosamente en un ataque distorsionado que se apacigua tal como comenzó.

6) Wedding Nails: Es un tema instrumental que es particularmente efectivo en representar sin palabras, el descenso hacia la locura. El crujiente riff de guitarra da paso a unas baterías pesadas, acompañado de sutiles acordes de sinte y posteriores coros de mellotron que sellan la densa atmósfera.

7)Prodigal: Probablemente una de las melodías más nostálgicas y hermosas de este disco. Son muy notables las líneas de guitarra eléctrica con slide que evocan inequívocamente el espíritu desencantado y triste presente en la canción con letras como
"I don't know whose side I'm on
 I don't think that I belong round here
 If I left the stage would that be wrong?"
El coro y sus armonías tiene un muy marcado aire floydiano con las siguientes letras
"Rain keeps crawling down the glass
The good times never seem to last
Close your eyes and let the thought pass"

Para mí la canción representa los últimos pensamientos de sensatez de nuestro personaje antes de sumirse por completo en la oscuridad.

8) .3: Bello tema instrumental dominado por la línea de bajo. Los arreglos de cuerda determinan el carácter nostálgico del tema. Posteriormente cae en rasgueos acústicos acompañados de guitarra eléctrica con chorus, el cual es una característica sónica de la banda. El final con cuerdas es de gran belleza y evoca una profunda melancolía.

9) The Creator Has A Mastertape: Es sin duda la canción más frenética del disco. El vertiginoso ritmo de la batería y la línea de bajo acompañan letras como
"He captured and collected things
 And he put them in a shed
 He raised a proper family
 So he could tie them to a bed"

Se ve claramente la disfunción mental del individuo que tiene cosas más siniestras por hacer aún.

10) Heartattack In A Lay By: Otro paréntesis y la canción más conmovedora del disco. La melodía es sinónimo de infinita tristeza.
Cuenta la historia de una persona que sufre un ataque cardíaco en la carretera y su deseo de volver a estar con la persona que ama. No se sabe si esta reunión sucede o no.
Es de especial mención el clímax vocal en el cual se yuxtaponen varias lineas vocales que crean una sensación de desesperación.

11) Strip The Soul: De vuelta con nuestro perturbado individuo y una línea de bajo similar a .3 sólo que esta canción no tiene rasgos de belleza.
Relata las andanzas del personaje, donde maniata, tortura y mutila a su familia con letras como
"This is my home, this is my own, we don't like no strangers
 Raise the kids good, beat the kids good and tie them up
 Spread it wide, my wife, my life, push the camera deeper
 I can use, I abuse, my muse, I made them all"

La locura del individuo esta consumada con las siguientes letras
"They are not gone, they are not gone, they are only sleeping
 In graves, in ways, in clay, underneath the floor
 Building walls, overalls, getting bored, I got faulty wiring
 Brick it up now, brick it up now, but keep the bones"

La música tiene un aire a Tool y con justa medida es la canción más oscura del disco.

12) Collapse The Light Into Earth: Una vez consumado el acto siniestro, nuestro personaje siente la necesidad de ser redimido pero sabe que las cosas no cambiaran para mejor. Aquí les dejo las letras completas…Nos vemos y espero que puedan disfrutar de este disco tanto como yo!
I won't shiver in the cold
I won't let the shadows take their toll
I won't cover my head in the dark
And I won't forget you when we part

Collapse the Light Into Earth
I won't heal given time
I won't try to change your mind
I won't feel better in the cold light of day
But I wouldn't stop you if you wanted to stay

Collapse the Light Into Earth


Tracklist:

1. Blackest Eyes (4:23)
2. Trains (5:56)
3. Lips Of Ashes (4:39)
4. The Sound Of Muzak (4:59)
5. Gravity Eyelids (7:56)
6. Wedding Nails (6:33)
7. Prodigal (5:32)
8. .3 (5:25)
9. The Creator Has A Mastertape (5:21)
10. Heartattack In A Layby (4:15)
11. Strip The Soul (7:21)
12. Collapse The Light Into Earth (5:52)

Bonus:
13. Drown with Me
14. Chloroform


martes, 12 de junio de 2012

[2007] Trapezoide - La Rebelión de los Peluches

Hola amigos, hoy les traigo algo diferente, un review de una banda local. Bueno, es una banda local donde yo vivo, pero obviemos ese detalle y vamos a lo nuestro.

La banda que hoy nos junta es Trapezoide, banda del sur de Chile, y bastante reconocida por estos lares. Ellos nos presentan un propuesta rockera muy interesante, que integra de modo impecable instrumentos mapuches como el Kultrún, el Trompe y la Trutruka, logrando un sonido propio como pocos, que destaca por su singularidad y potencia.

La placa que hoy revisaremos empieza con “El despertar”, tema con un suave inicio de guitarras y ride, al que lo sigue una potente entrada de la batería en los toms, manteniéndose muy cerca de la métrica de la música mapuche. La fusión es simplemente excelente, sobre todo durante el genialmente ejecutado solo de trutruca (si, leyeron bien, un solo de trutruca). Podría decirse que “El Despertar” es un buen ejemplo de lo que seguiremos escuchando, así que si hasta aquí les gusto la idea, sigan escuchando, por que no se arrepentirán.

 En “Hidrofobia en 1/8” Cambiamos un poco la dinámica, pero manteniendo la idea de la fusión músico/cultural que define a esta producción, acá notamos mas la influencia rockera, sobre todo en las guitaras, En principio recuerda un poco a Tool con su genial Aenima, pero con lo que supongo es un Trompe modificado electrónicamente y palos de agua en el fondo.

Seguimos con “Invasión Marxiana”. Aunque yo no calificaría a este disco como “experimental” puede que este tema sea lo mas cercano a eso que podemos encontrar aquí, La guitarra crea una atmosfera algo tétrica y una asustada voz de fondo termina por general una opresiva sensación, la que da paso a un potente riff que se mantiene en un patrón simple hasta el final.

Pasamos a “Aura Negra”, en este corte la banda juega un poco mas con la electrónica, e incluye una voz femenina a la mescla, puede parecerse un poco a lo que podemos ver en el “Mandylion” de “The Gathering”, mezcla bien interesante a decir verdad

“Es Mentira” explora un lado totalmente diferente de la música. Tema instrumental, muy ambiental, casi relajante, muy adecuado para bajar las revoluciones antes del final

Y para finalizar tenemos “La gente va a Morir”, Potente titulo, para una potentísima canción, se asemeja mucho a “El despertar” manteniendo mucho de su espíritu, pero enfocándose mucho mas en su excepcional lirica, cargada de despecho, de un sentimiento de derrota y de mucha rabia reprimida, rabia contra la gran maquinaria social y su efecto contra la naturaleza y sus propios hijos. Quizás una de las mejores letras que he tenido el placer de escuchar en este último tiempo.

En resumen, un disco muy representativo del Rock Valdiviano, potente, consiente y creativo. Como ya he mencionado la inclusión de instrumentos típicos mapuches y el excelente uso que se les da a estos desde el punto de vista de la composición hacen de Trapezoide una de la grandes bandas del sur de Chile

Tracklist:

1. El Despertar
2. Hidrofobia en 1/8
3. Invasión Marxiana
4. Aura Negra
5. Es de Mentira
6. La Gente va a Morir

sábado, 26 de mayo de 2012

[2007] Daft Punk - Alive 2007 (Deluxe Edition)

Debo admitir que la música es un regalo que tenemos todos en la vida, hay de muchas maneras, formas, y colores (eso yo lo entiendo en mi mente). Una de las razones de porqué escucho música es porque afectan directamente a mi estado anímico, marcan momentos de mi vida, buenos y malos… es genial y además me da la oportunidad de fantasear. ¿Quién no fantasea con la música?, hay algunos que lo hacen cantando en el baño usando el envase de shampoo como micrófono, otros bailan imaginando que están en una disco en los 80, etc.

Yo les presento una de las mías, la fiesta de mi vida, con alcohol gratis servido por bartenders semidesnudos , mi grupo de amigas, drogas servidas en bandeja , libre consumo ( si, fumo marihuana y probaría mil y otras cosas si tuviera la oportunidad , MÁTENME) yo con un cuerpo infartante y ropa sexy (triste NO realidad) y buena música obviamente… Y no cualquier música! noooo… En la  fiesta de mi vida estaría una de las duplas mas geniales de la vía láctea, los franceses de Daft Punk y su disco Alive. Ellos, iluminados por luces y rayos, con sus brillantes cascos sobre un escenario enorme lleno de luces,  ¡haciendo bailar a miles de personas!, con esos sonidos tan eléctricamente perfectos, con locura y desinhibición, bailes explosivos y potentes y los ojos cerrados… tú y la música, saltar y saltar, bailar y bailar… gritos… si, definitivamente muchos gritos.

Descárguenlo y escúchenlo a TODO volumen, mientras van al tedioso trabajo, quizás quien sabe nos juntamos a bailar en una misma fantasía colectiva, los invito a la mía, es todo gratis!!! Jajaja yo invito ;)

Tracklist:

Disc 1

1. "Robot Rock" / "Oh Yeah" 
2. "Touch It" / "Technologic" 
3. "Television Rules the Nation" / "Crescendolls" 
4. "Too Long" / "Steam Machine" 
5. "Around the World" / "Harder, Better, Faster, Stronger" 
6. "Burnin'" / "Too Long" 
7. "Face to Face" / "Short Circuit" 
8. "One More Time" / "Aerodynamic" 
9. "Aerodynamic Beats" / "Forget About the World" 
10. "The Prime Time of Your Life" / "The Brainwasher" / "Rollin' & Scratchin'" / "Alive" 
11. "Da Funk" / "Daftendirekt" 
12. "Superheroes" / "Human After All" / "Rock'n Roll" 

Disc 2 

"Human After All"  
"Together" 
"One More Time (reprise)" 
"Music Sounds Better with You"



REVIEW por "APMA"

jueves, 1 de diciembre de 2011

[2004] BBS Paranóicos - Capital


Capital es uno de mis discos favoritos de la escena Hardcore Punk nacional e internacional , ya que es uno de esos discos donde todos los temas son buenos, así que por eso lo revisaré de una forma que espero no se vuelva habitual: de forma global.

Para mí Capital vendría siendo un disco de transición entre el punk sucio, duro y desordenado y un hardcore melódico más pulcro y un tanto comercial (Pop-Punk para algunos), rescatando lo mejor de cada etapa y creando una mezcla perfecta.

Otro punto que hace que me guste el disco, pero ahora de tono muy personal, es la temática del disco, que habla de vida/realidad/experiencias en Santiago, nuestra Capital, que me imagino debe ser similar a todas las capitales y grandes urbes del mundo. Y como me vine a vivir a esta gran metrópolis desde una pequeña ciudad no es difícil sentirse identificado o al menos aludido por las letras.

De vuelta a lo musical, lo que a mi parecer hace diferente o hasta superior a este disco es el completo manejo de las intensidades y por ende emociones de cada canción. Todos sabemos que el punk en general no brilla ni por su virtuosismo ni por su complejidad en la composición, pero como ya dije el manejo de la intensidad y/o intencionalidad lo hace un MUY buen disco y esto se lo atribuyo a la inclusión del baterista Daniel Tobar, ex batero de 2X (banda que amerita review), quien sin hacer maravillas bateriles rompe por completo la estructura repetitiva y simple del punk, aplicando algo  infalible en cualquier estilo musical: Creatividad. Simplemente jugando con todos los elementos que tiene a mano, como platillos, toms, redobles, cambios de velocidad, de tiempo, etc. puede darle sentido y carácter a este álbum.

Para finalizar y darle un poco más de crédito al disco, sólo me queda agregar que la voz de Omar Acosta es perfecta para esa transición de la que hablaba al principio, ya que es muy melódica pero carraspiada y si le agregan las guitarras con sonido punk medio europeo y unos solos no muy complejos pero certeros es cosa de sumar y lo que obtenemos como resultado es un GRAN DISCO.

Lo recomiendo 100%, si tuviese que ponerle nota sería 9,8 sólo porque nada es perfecto.

Tracklist:

1.-Capital
2.-Cristales
3.-Otra historia
4.-Mal humor
5.-Ruidos
6.-Contraviento
7.-Como una sombra
8.-Arena
9.-Al final luces
10.-Velocidad
11.-Sonríe
12.-Nuevo uno


jueves, 17 de noviembre de 2011

[2009] John Frusciante - The Empyrean (por HR20)


'The Empyrean' es el último álbum de John Frusciante (ex-guitarrista de Red Hot Chili Peppers) como solista, hasta el momento. Frusciante suele experimentar con distintos estilos musicales en cada álbum, caracterizándose 'The Empyrean' por una gran variedad de sonidos electrónicos y efectos para voz y guitarra en sus canciones generando una mezcla entre rock, ambient y electrónica que, sin embargo, no lo estanca en el minimalismo que suele aplicarse a estos últimos dos estilos, sino que lo envuelve en un complejo clima psicodélico.

Frusciante además, tanto en este como en muchos de sus anteriores trabajos, combina varias voces en sus temas, su propia voz para ser específico. En otras palabras... se escuchan muchos Frusciantes cantando a la vez, lo cual se oye muy bien gracias a los efectos usados y, claro está, su experiencia como segunda voz en Red Hot Chili Peppers.

Sin más preámbulo, pasemos a hablar de algunos temas...

Comenzando el álbum nos encontramos con "Before the beginning", un instrumental... es música ambient en todo aspecto a la que se le da forma con un jam de guitarra eléctrica, el mismo artista lo define como "una melodía que debe escucharse con la luz apagada, relajado y a todo volumen" (cabe destacar que el tema tiene un volumen bajo en comparación al resto del tracklist)

El segundo tema es un cover de un clásico de Tim Buckley, "Song to the siren" (si no lo conoce, escúchelo antes de seguir leyendo) una hermosa canción que en manos de John Frusciante da un giro de 360°, sino de 180°, porque la canción no pierde su esencia para nada. Nuevamente la música ambient es la base de la melodía. Esta canción está hecha para... sólo disfrutar de la armonía de la voz y la melodía. La canción conserva todo lo que tuvo originalmente, una gran adaptación a mi parecer.

Continuamos con una de mis favoritas... "Unreachable", me encantan los cambios de esta canción, el protagonismo se lo llevan instrumentos más comunes como los teclados y un bajo, sin dejar de lado los sonidos electrónicos. En el minuto 3.40 entran a trabajar las guitarras, primero con un solo en base al ritmo y luego una variación conjunto de los instrumentos, momento en el que, según yo, explota la canción para llegar a su final. Excelente tema.

Luego tenemos "God", con esta canción completamos la tetralogía que da origen al álbum. ¿Por qué tetralogía? Pues porque los cuatro primeros temas son un paso muy sutil de la música ambient al rock, en God ya encontramos melodías más "familiares al oído", no taaaaan experimentales, sin dejar de lado la insignia del álbum.

"Dark/Light" es una canción dividida en mitades, la primera es una base de piano acompañada con el canto de Frusciante... varias voces acompañadas con efectos, lo cual da paso a una especie de puente donde el "ánimo" de la canción (por decirlo de alguna forma) cambia completamente, de algo melancólico a algo más esperanzador (Dark/Light, Oscuridad/Luz), eso da comienzo a la segunda mitad. Termina el "puente" y el bajo se roba la película, acompañado de unos acordes en guitarra y las voces dando un carácter "sagrado", recordando un poco a la música góspel.

Con "Heaven" nos encontramos con un trabajo muy similar a lo que se había visto en discos anteriores de Frusciante, guitarra, batería y bajo como instrumentos principales... terminando la canción con piano y violín para darle "el toque". Algo no muy salido de los estándares. No deja de ser un gran tema.

Me saltaré el séptimo tema para hablar de "Central". Seguimos en un clima de rock (experimental) con la presencia de guitarra, bajo, teclado, batería y sintetizadores. Avanza rápido... de verso, a coro explosivo, verso, coro explosivo, un breve puente con teclado... y!!! la canción se transforma. Comienza un juego con los instrumentos volviendo al carácter ambient que apreciamos antes... algunas armonías con multitud de instrumentos acompañados de Frusciante cantando para finalizar con solos de guitarra y el violín de fondo.

Ahora sí, avancemos y retrocedamos... hablaré a la vez del séptimo y el noveno tema... "Enough of me" y "One more of me". Ambas partes de una misma historia, más bien de un pensamiento. El primer tema comienza lentamente con sintetizadores para dar paso a la canción en sí. Volvemos a escuchar la guitarra del músico, teclado, bajo y batería.. acompañado de un controlado ruido blanco... finaliza con un solo de guitarra, ruido blanco constante de fondo y aparece algún instrumento de percusión al estilo pandero o maracas. La continuación es la misma melodía... pero esta vez se utilizan instrumentos de cuerda frotada... de fondo hay contrabajo y teclado... en esta continuación, Frusciante emplea efectos en su voz para que se escuche más grave, más profunda, como si viniera del más allá o algo por el estilo, es interesante contrastar los dos temas en cuanto a su instrumentación considerando la idea que plantea cada uno.

"After the ending" es el tema que da por finalizado el álbum. Un piano crea la melodía mientras Frusciante canta con efectos de eco y oscilación... a medida que avanzamos se van añadiendo sintetizadores y segundas voces más agudas. Es un gran conjunto de efectos, todos orbitando al piano con gran armonía. Suena como una buena despedida.

Algunas versiones del álbum incluyen, además, dos temas adicionales: "Today" y "Ah Yom" que, a mi parecer, deberían haber sido ubicados en el medio del álbum, en algún lugar... y no al final. Pero bueno, cada artista decide la estructura de sus discos y más aún si se trata de Bonus Tracks.

En resumen, "The Empyrean" es un disco diferente... diferente a lo que puede oírse normalmente en la radio... diferente a lo que se escuchó de Frusciante en Red Hot Chili Peppers... diferente a lo que se escuchó de él mismo en sus anteriores álbumes solistas. Éste álbum es una apuesta a reinventarse, merece ser escuchado en detalle, notar como varían entre sí los temas, el modo como se comunican, el uso de los instrumentos, las voces y los efectos para contextualizar lo que quiere contarse en cada canción. Si disfrutas de la música de este artista y además prestas real atención a este álbum gozarás de un inspirador viaje espiritual.

Tracklist:

1. "Before the Beginning" - 9:08
2. "Song to the Siren" - 3:33
3. "Unreachable" - 6:10
4. "God" - 3:23
5. "Dark/Light" - 8:30
6. "Heaven" - 4:03
7. "Enough of Me" - 4:14
8. "Central" - 7:16
9. "One More of Me" - 4:06
10. "After the Ending" - 3:38
Extras:
11. "Today" - 4:38
12. "Ah Yom" - 3:17


martes, 15 de noviembre de 2011

[2009] Pearl Jam - Backspacer



Cuando Backspacer vio la luz por primera vez, por alla por el lejano 2009, no recibió las mejores criticas que digamos, de todo fue dicho en su momento, desde que había perdido calidad en relación a sus antecesores, hasta que era “el disquito del verano”, bueno para escucharlo en la playa, pero nada mas.

Ahora, yo no podría estar mas en desacuerdo con esa idea, de hecho, podría hasta decir que lo mas notable de Pearl Jam desde el Yield vendría a ser Backspacer.

Quisas mas de alguno por ahí ya esta escribiendo un comentario en mi contra en el cual desahoga la rabia de las frustraciones del día, pero espérenme un poco, déjenme explicar mi punto y después pueden proseguir

Backspacer recupera a mi gusto, mucha de la energía de los primeros trabajos de Pearl Jam (Ten y V/s), y si bien no de la misma manera que en los primeros 2 discos, se nota un cambio paradigmatico en relación al “Pearl Jam” del 2006 (o “La Palta”, pa los amigos), e incluso al bastante destacarle “Riot Act”, de principios de siglo. Básicamente un año atrás, pero manteniendo la madures musical de (en ese entonces) 18 años de carrera

Backspacer consigue a mi gusto conjugar de buena manera temas crudos en su sonido (como “Got Some” o “Supersonic”) con otros que suenan mucho mas elaborados en su construcción(“Unthought Known”, seria un bien ejemplo de esto)

En general, podriamos incluso decir que este disco es un resumen de la carrera de la banda, encontrándonos en el con temas que podrian pertenecer al Ten o al V/s (Supersonic), al Vitalogy (Speed of Sound), al Yield (The Fixer), o a cualquier otro que quieras citar.

Para finalizar este mini-review, solo les puedo decir, que a pesar de haber sido en algunos casos vapuleado por la critica, Backspacer es un muy buen disco, si, puede que algo mas liviano de lo que podríamos esperar, pero tampoco es “el disco del verano” como se dijo en algun momento. Muy completo, muy agradable al oído,capaz de pasar de la euforia a la melancolia de un tema a otro y sin que se haga desagradable. Se nota en el que los años no pasan en vano en lo que a experiencia refiere, y puedo decir con toda propiedad, que este es definitivamente un gran trabajo, para una gran banda.

Tracklist:

1. Gonna se my friend
2. Got Some
3. The Fixer
4. Johnny Guitar
5. Just Breathe
6. Amongst the Waves
7. Unthought Known
8. Supersonic
9. Speed of Sound
10. Force of Nature
11. The End

DESCARGA:

martes, 8 de noviembre de 2011

[2000] A Perfect Circle - Mer de Noms


Son ya cerca de 10 años, si no son mas, desde la primera vez que escuche este disco, hasta recuerdo el momento exacto, en la casa de un amigo que lo había comprado hace un par de dias. Era esa hermosa época en que mis oídos aun no estaban contaminados ni sobre estimulados, cuando todo era nuevo para mi, y cada disco era una nueva y emocionante aventura

Bueno esos tiempos desgraciadamente pasaron, a la larga la sorpresa se transforma en tedio, y la emoción en costumbre, por eso mismo decidí revisar este disco en particular. Lo escuche hace años, y por alguna razón, salvo temas sueltos, lo perdí de vista durante varios años.

Mer de Noms es el nombre de la primera producción de "A Perfect Circle", banda que para muchos puede ser una “Version Light” de Tool, pero a mi no me cuenten entre esos muchos. Mi opinion difiere mucho en esa idea. En realidad yo lo clasificaría mas dentro de mi cajón de “experimentales”, ya que si bien la banda en general denota una marcadisima influencia de Maynard James Keenan, y es este quien (se podria decir) le da es espiritu a los temas, insisto en que es un proyecto totalmente diferente a lo que fue Tool y a lo que es actualmente

Y con eso suficiente introducción, la idea la iré desarrollando durante la revisión del álbum para ahorrarles tiempo y lata
Empecemos
The hollow, junto a Judith, 3 libras y Magdalena son mis favoritos de la placa, Quisas se por que son estos 4 los mas “convencionales” que podemos encontrar entre los 12 que nos presenta APC. Pero bueno, volviendo al tema.

"The Hollow" es un tema bastante convencional a decir verdad, una batería interesante, medianamente compleja para un corte de sus estilo, pero que no destaca por si genialidad, en general algo predecible, pero tampoco si intención es no serlo, en resumen, un muy buen tema, ordenado pero no aburrido, cambia los suficiente durante su duración como para mantenerte atento, muy recomendable

seguimos con magdalena, también muy convencional, de hecho muy al estilo "post grunge de mediados de los 90s. Algo mas potente que su antecesor, pero sin ser exagerado, también muy recomendable

Ahora, si bien “Rose” y su obscuro ambiente “Semi-industrial”, así como varios mas, son temas que definitivamente merecen mención en este humilde review, optare por las razones antes mencionadas a saltarme algunos temitas, el resto como de costumbre, se los dejo a uds
Y así pasamos a “Judith”. Quisas el mas reconocible de los 12. De aca yo personalmente destacaría la batería y la voz, la primera por lo divertida de interpretar, y a pesar de ser similar a la de “The Hollow”, por alguna extraña razón disfruto mas; Y la segunda por que me recuerda por momento a la aspereza vocal de “Aenima” de Tool.

Este es probablemente el tema mas destacarle del disco, sin desmerecer al resto por supuesto, de todas maneras, lo dejo a su criterio queridos amigos. Como consejo.. Pónganlo fuerte

En “Orestes”, es donde uno de los factores fundamentales de “Mer de Noms” se hace presente con claridad, La Melancolía. "Orestes" es una pieza de poco mas de 4 minutos y medio, en la que un 50% es melancolía, 30% calma y el 20% restante rabia, la guitarra en sus partes mas calmas me recuerda por alguna extraña razón a “Good bye Blue Sky” de Pink Floyd (¿?), y la voz por momentos desgarradora de Keenan sintetiza de buena manera el “leit motiv” de la placa en su totalidad

Saltemonos algunos temitas y pasemos directamente a “Thomas"

Este corte no da señales de su intención hasta por lo menos el segundo 26, y aun así, aun resulta confuso pasado medio minuto después de eso. Algunos quisas quieran colgarme después de decir esto, pero al igual que muchos otros temas del disco, este me recuerda a la rama mas potente del Grunge (Alice in Chains por poner un ejemplo), con guitarras potententes, que dan paso a suaves melodías y gritos profundos para sazonar, bueno, esa es mi opinión, como siempre, todo queda a su criterio gente

Por mucho que me apene, no puedo por temas de espacio y tiempo alargarme en mis reviews, así que paso directamente a “breña” y con eso los dejo

“Breña” es un tema de lírica vivencial al igual que “Judith” (la que tiene que ver con la temprana muerte de la madre de Keenan). En este caso, “Breña” es una ex-novia de nuestro vocalista y como ya paso con otros cortes de la placa, este denota tanto rabia como melancolía. Con guitarras bien dosificadas y voces quisas demasiado dulces, pero que pasan al final de casa verso a un leve estado de desilusión

Bueno, hasta acá los puedo dejar, espero disfruten este gran disco y que hagan buen uso de el, ademas, les recomiendo escuchen el Aenima de Tool, que si bien no se le asemeja mucho al hoy revisado, es una excelente experiencia auditiva
Nos Vemos Pronto!

Tracklist:
1. The Hollow
2. Magdalena
3. Rose
4. Judith
5. Orestes
6. 3 Libras
7. Sleeping Beauty
8. Thomas
9. Renholdër
10. Thinking of You
11. Breña
12. Over

miércoles, 27 de abril de 2011

[2000] Deftones - White Pony

Hola Amigos

A veces, para escribir algo, tienes que estar en un estado anímico adecuado para hacerlo, no puedes escribir sobre funk si estas triste, y es difícil entender a Radiohead si estas alegre…
por eso escribo este review ahora. Lo intente hace algunos meses, pero me perdí a mitad de camino, quizás, solo no estaba del animo que se necesitaba

pero bueno, empecemos

¿Que diferencia a Deftones de otras bandas de la escena Nu Metal?

Bueno, para esa pregunta hay miles de respuestas, pero esas respuestas no necesariamente serian diferentes a las que obtendría preguntado lo mismo pero poniendo a Korn en la pregunta, o a Limp Bizkit… o a cualquier otra banda “Nu Metal” que se me venga a la cabeza.

Por que se produce esto?

Es simple, el Nu Metal no es "otra forma" del Metal, solo es una manera de denominar a esas bandas que a mediados de los 90s llegaron a tomar para si lo que el Grunge había soltado de sus frías y muertas manos. ¿Que quiero decir con esto?, bueno amigos, lo que quiero decir es que Deftones no se parece en nada a Korn, ni Korn a Linkin Park, ni Linkin Park a Limp Bizkit, y así un largo etc...

Pero ya me estoy yendo por las ramas, vamos al review.


El disco parte oscuro con “Feiticeira”. Guitarras distorsionadas, esa tan característica batería sincopada de Cunningham, y una estructura diferente a la que uno podría considerar como “normal”, con momentos de calma que aportan al ambiente general del tema, y un final que se apaga lentamente para dar paso a una de las piedras angulares del estilo actual de Deftones: “Digital Bath.”

“Digital Bath” es un tema que nos habla sobre un asesinato, de una manera angustiosa, pero casi satisfecha, estructurado en altibajos musicales, por momentos en susurros, por momentos en gritos desgarradores, sin duda uno de los mejores cortes de la placa, y un exitoso single, vale la pena darle un poco de tiempo

“Elite” es tema aparte, se puede decir que es el tema mas “fuerte” del disco (pero ni por cerca el mas potente). Empieza como una patada en las orejas (totalmente recomendable como tono para despertador), pero aparte de eso, no es mucho mas lo que se pueda decir de el. Ok, es un buen tema, pero dentro de lo que es White Pony como disco, es solo otro mas

Como es costumbre ya, para ahorrarles tiempo voy a saltarme algunas canciones y solo me dedicare a analizar las que considero mas destacables, esto no quiere decir que el resto no lo sean, de hecho, parte de la idea del review es darles solo una pequeña guía, la experiencia de escuchar el disco, es de uds., y no se las queremos quitar.

Ok, dicho esto, podemos continuar.

Saltémonos directamente a “Knife Party”, probablemente mi favorita del disco, potente emocionalmente, de estructura simple, al igual que “Digital Bath” esta compuesta tanto de momentos altos como bajos (pero a diferencia de la anterior, en esta ocasión se mantiene mas arriba que abajo). Los gritos de Rodleen Getsic en los coros de fondo desde la segunda mitad hacia adelante, le dan un ambiente impagable al tema, definitivamente un gran corte, excelentemente construido, cumple con su propósito, expresa lo que quiere de manera impecable, totalmente recomendado


Y por supuesto, no nos podíamos olvidar de “Passenger”, ¿por que?, bueno, por que en este tema las riendas las toma nada menos que Maynard Keenan, el vocalista de esa gran banda llamada Tool. Y esto se nota en la canción, podríamos incluso decir que lo más cerca que veremos a Deftones de lo progresivo vendría a ser este tema. Es muy diferente al resto de los que componen este disco, pero eso sin duda le da mas merito, una sola palabra: Exelente

El disco continua, y de gran manera, pero yo los dejare hasta acá para no aburrirlos, solo quiero decir, y a modo de conclusión, que a diferencia de trabajos anteriores, White Pony se aleja bastante del rap/rock, se vuelve más complejo, más maduro. Las canciones adquieren un ambiente sombrío, son mas profundas en su sonoridad. La letras son ambiguas, y creo yo, libres de interpretar.

Es un disco que no esta dirigido (o por lo menos no tanto) al publico “teenager”. Esta muy marcado musical y líricamente hacia ese lado más oscuro del alma, se siente gótico, denso, por momentos desgarrador. Es un poco difícil de entender como un todo. Y si bien, a pesar de ser bastante “oreja”, tiene todo lo que necesita para ser un gran disco, probablemente el mejor de la banda

Tracklist

1. Feiticeira (3:09)
2. Digital Bath (4:15)
3. Elite (4:01)
4. RX Queen (4:27)
5. Street Carp (2:41)
6. Teenager (3:20)
7. Knife Party (4:49)
8. Korea (3:23)
9. Passenger (6:07)
10. Change (In the House of Flies) (5:00)
11. Pink Maggit (7:32)

martes, 30 de noviembre de 2010

[2001] Cornelius - Point

Adentrándome en un estilo musical bastante nuevo para mi, la electrónica, me topé con este disco, Point, que simplemente me encantó.

Point es el cuarto disco del japonés Keigo Oyamada, más conocido como Cornelius. Un disco experimental donde se nota la exploración en solitario de este músico tan solo mezclando unas guitarra y sonidos electrónicos, dando como resultado un disco extremadamente agradable e innovador.

Como ya lo mencioné, la composición es bastante simple y pareciera ser una gran mezcla que va variando y evolucionando. Consiste en guitarras, bases de batería, armonías vocales muy bien elaboradas y un último detalle que a mi me pareció bastante novedoso y que le da en gran parte el sentido al disco, me refiero a la mezcla de sonidos extraídos de la naturaleza, tales como sonidos de aves, del mar, gotas, insectos, etc. mezclándolos con diversos acompañamientos electrónicos.

En cuanto al tipo de "beat" (no supe como llamar la velocidad del disco), en general es tranquilo pero con algunas canciones bastante locas y distorsionadas ("I hate hate") y otras dignas de ser bailadas ("Another view Point"), pero en general es tranquilo.

Mis canciones favoritas son "Drop", que como lo dice el nombre Gota en español es la combinación de sonidos de gotas y agua con un ritmo bastante pegajoso. La otra que me gusta mucho es la siguiente del disco, "Another view Point" que es una mezcla bastante repetitiva pero con mucho ritmo que te envuelve inevitablemente hasta llegar a un corte, que al volver intensifica la energía de la canción.

Sin mucho más que agregar les digo que este disco es muy bueno, lleno de canciones para disfrutar y que contiene una armonía y fuerza única, digna de la locura y creatividad japonesa (todos sabemos que los japos están dementes xD).

Tracklist:

1. "Bug (Electric Last Minute)" - 0:38
2. "Point of View Point" - 3:54
3. "Smoke" - 5:48
4. "Drop" - 4:53
5. "Another View Point" - 5:35
6. "Tone Twilight Zone" - 3:39
7. "Bird Watching At Inner Forest" - 4:22
8. "I Hate Hate" - 1:43
9. "Brazil" - 3:27
10. "Fly" - 5:40
11. "Nowhere" - 5:48


 Como dato anexo les dejo 2 video clips de este disco: Point of View Point y Drop, 2 videos igual de buenos como la música misma.





miércoles, 3 de noviembre de 2010

[2008] Slipknot - All Hope is Gone

Primero que todo les cuento que mi Notebook/laptop estuvo agonizante por mucho tiempo y por eso no había podido publicar. Así que me las dí de doctor y le hice algunos arreglines por mi cuenta que me permiten estar escribiendo un nuevo review el día de hoy, review que iba a ser el especial de halloween, pero por las razones mencionadas se pospuso para ahora. Así que dando un un poco un giro a los discos felices, psicodélicos, progresivos, etc etc que habíamos estado revisando en la cueva, hoy les traigo algo un poco más rudo y lleno de tarros. Sin mas rodeos les cuento de que se trata.
Siempre es difícil encasillar a las bandas en un sólo estilo, pero para mi Slipknot está dentro del Aggro o Nu Metal, condición que en este disco a mi parecer cambia, dejando un poco de lado la brutalidad total y casi sin sentido por algo un poco más pulido y trabajado sin dejar de lado ni una gota de potencia. Este disco a mi parecer es un proyecto más maduro donde se dieron el trabajo de elaborar las canciones con más técnica que en cualquier otro disco anterior y eso lo podemos ver claramente en los solos de guitarra que hay en este disco, cosa inexistente en cualquier otro lanzamiento anterior. La verdad no son nada excepcional estos solos, pero es claramente un intento de perfeccionar su música y consagrarse como una banda metal de calidad, eso desde mi punto de vista.

Otro cambio casi curioso que puedo comentar es la poca o casi nula participación de el DJ,sampler y sintetizadores, como así también de los tipos que estaban con percusiones haciendo ruido y avivando a la gente. Ésto para mi tiene solo un motivo -no había donde ponerlos-, porque de la forma que se da el disco estos instrumentos están casi sobrando.

Con respecto al sonido, es muy bueno y claro, a pesar de tanta distorsión, lo mismo con la voz de Corey Taylor que hasta en los gritos mas potentes su voz es muy definida. Aquí se nota el trabajo de productores y de los mismos músicos, donde mejoraron mucho la calidad del sonido.

Siguiendo con la revisión como siempre comentaré las canciones que más me gustan del disco. 
No puedo dejar de mencionar el tema de inicio del disco (luego del intro), "Gematria [The Killing Name]", canción en la que se percibe enseguida el cambio del que les hablaba, una canción extensa (6:01) pero muy potente y especial para "basilarla y cabecear". La otra que me llamó mucho la atención es "Snuff", que es el tema lento del disco... pero lento lento eh¡... muy agradable a los oídos de cualquiera, aunque quizás no tanto para los fans mas acérrimos de la banda.

Para finalizar no me queda más que recomendarles el disco, porque es muy bueno especialmente si les gusta un poco el tarrerío. Y para los que sean metaleros y digan que slipknot y el Nu es basura, este disco los sorprenderá.

Tracklis:

01. Execute
02. Gematria (The Killing Name)
03. Sulfur
04. Psychosocial
05. Dead Memories
06. Vendetta
07. Butcher’s Hook
08. Gehenna
09. The Cold Black
10. Wherein Lies Continue
11. Snuff
12. All Hope Is Gone
BONUS
13. Child of Burning Time
14. Til We Die
15. Vermillion Pt. 2 (Bloodstone Mix)

Descarga:

lunes, 25 de octubre de 2010

[2005] Editors - The Back Room (por Sr. Diego)

Al hablar de “The Back Room”, no puedo dejar de imaginar ni de escuchar en mi mente una constante de melodías de guitarras que emulan sonidos tan ligeros y a las vez con una potencia dantesca, las cuales crean ritmos que por instantes son capaces de transportar cualquier momento a la tranquila Ciudad del Tar.

Guitarras, por momentos, tan dulces como violines, crean una atmosfera despejada de toda la distorsión que puedan tener estas mismas guitarras en otros momentos del disco, creando así una interesante paradoja , los sonidos sucios y potentes no dejan de estar presentes, pero sin embargo estos mismos son los que crean esa extraña sensación de serenidad inigualable cuando se lo proponen.

"The Back Room" consta de once temas, cada uno una pieza única en su especie, pero nunca perdiendo ese sentido de unión que tiene esta placa, siendo este uno de los pocos discos que puedo escuchar de corrido y sin saltarme nada.

Los once cortes son relativamente largos cada uno. Esto claro claro sin contar a “Open Your Arms”, en donde el tiempo no es una variable valida para condensar toda la exquisitez de sus sonidos. “Open Your Arms” es una de esas canciones en donde comienzas pensando que siempre seguirá en el mismo sentido, uno de esos temas en lo que no guardas muchas esperanzas... con una batería algo monótona, de esas que pasan casi como un MIDI, con una atmósfera insegura en cuanto a la calidad del tema, pero pronto las guitarras alumbran lo que será una de las mejores canciones dentro del disco.

Otra canción que merece la atención de este humilde degustador de la buena música es “Distance” este tema es simplemente una frágil sinfonía, en donde “Editors” pudo darse un gran gusto, un tema que crea un mundo propio dentro de ella misma, al escucharla por solo un momento te vuelves capaz de transportarse a esos momentos gratos en donde siempre quisiste estar, destaca la labor de las simples pero correctas baterías, golpes precisos de una bataca aburridamente simple, pero sin dejar de ser interesante, mientras la voz maneja el final de este estupendo disco a su gusto.

“Fall” es un caso especial, una batería que se podría definir como "amable" hasta casi el final del tema, una voz por momentos desgarradora, y calma al mismo tiempo, simple, pero horriblemente complejo a la vez, destacan los momentos de soledad entre guitarra y voz... y un final estupendo entre batería y guitarra, casi una competencia entre instrumentos, potente como pocos, una obra de arte

Terminemos con “Finger in the Factories”.

Mi favorito del disco, una batería que se mantiene activa toda la canción, (cave destacar la habilidad del bataca de esta banda).. un ritmo que se maneja durante casi todo el tema entre riffs absurdamente simples y juegos de Hi-hat.

Pero.. llegando a la segunda parte del coro, explota en una sensación de opresión y desolación inmensa, un excelente corte para un excelente disco

y con eso termino este review, me salte algunos temas, pero solo por tiempo, la idea es que experimenten esta composición por uds mismos, un disco totalmente recomendable, muy bien pensado, simple y arrollador, genial como pocos...

Tracklist:
1. "Lights" – 2:31
2. "Munich" – 3:46
3. "Blood" – 3:29
4. "Fall" – 5:06
5. "All Sparks" – 3:33
6. "Camera" – 5:02
7. "Fingers in the Factories" – 4:14
8. "Bullets" – 3:09
9. "Someone Says" – 3:13
10. "Open Your Arms" – 6:00
11. "Distance" – 3:38

Ecrito por Sr. Diego y Editado por MAUS

martes, 31 de agosto de 2010

[2007] Beirut - The Flying Club Cup (por Sr. Diego)

La verdad es que la primera vez que escuche Beirut fue como “amor a la primera vista”, de una primera impresión me dio la sensación que era una banda de un solo tema

En una primera Cita musical, tuve el agrado de escuchar un tema titulado “Elephant Gun” de su EP del 2007 llamado de la misma manera (Elephant Gun), este tema es en resumidas lo que es Beirut, logra conjugar de manera clara y concisa lo que es la esencia verdadera de este Grupo, melodías acordes, con una guitarra que en momentos se trasladan hasta tu habitación, creando una atmosfera de música en vivo; los instrumentos de vientos que le dan una gran tonada a la música, haciendo estos y el acordeón una fiel representación del trabajo final que pretende la banda.

Pero En esta ocasión mi insistente atención se centra principalmente en los armoniosos sonidos de su segundo trabajo de estudio “The Flying Club Cup”, el cual tuvo una inesperada salida al comercio, y ¿por que inesperada? Inesperada en el sentido que este disco fue filtrado por internet, saliendo en la Web en agosto de ese año, lo que trajo el pronto lanzamiento oficial en el mes de octubre.

El inicio “The Filingo Club Cup” es una especie de transportación inesperada a un dimensión distinta de lo que se escuchara en la posterioridad del disco, ya que comienza con unas trompetas (aunque realmente me da la sensación de que es una Tuba), una especie de mini-réquiem, una melodía muy oscura, pero esto solo genera una sensación especial de menos de veinte segundos, ya que muy rápidamente nos encontramos con un tema que a mí en lo personal me encanta, la gran Voz y el sonsonete que le da Zach Condon es realmente acogedor, “Nantes” esta marca lo que será el disco en si, el teclado que hace una introducción precisa, sazonada con unos tambores que fácilmente podrían ser los que se usan para la basura crea un circulo de música Folk interminable, que será imposible no escuchar, en esta canción Z. Condon le canta a el paso del tiempo, y como pasa sin que nadie haga algo para que este solo se quede allí, intenta hacer referencia de que este pasa por la sencilla razón de que las cosas no suelen ser aprovechadas al máximo cuando se tiene la oportunidad; de forma inmediatamente Condon arremete con una mas, tan concisa y audaz como la anterior, “A Sunday Smile”, esta es poseedora de un brillante y bella línea de violines, acompañados por una guitarra que no hace su entrada hasta que la canción ya esta consolidada, pero esta le da la cota de sonidos acústicos que tiende a ser la etiqueta de Beirut, esta le canta a la poca sincronía que se suele tener con los ánimos, como es que los momento no son de alguna manera desaprovechados, e impuestos por fantasías que alguna vez hemos fabricados para poder sentirnos bien.

“Guyamas Sonora” viene nada mas que a rectificar lo que ya se a impuesto de alguna manera en el disco, una melodía bastante similar a las dos anteriores, pero no dejando de lado la genialidad en la composición, ni menos en el sentido que esta logra tener en el disco, la verdad que la letra me da la sensación que es un episodio muy puntual, es por eso que no hare una evaluación en cuanto a esta; a continuación nos encontramos con trompetas, un acordeón, y un piano que le dan vida a “La Banlieu” la cual me da la sensación por un momento de estar escuchando a Yhan Tiersen, lo cual me resulta aún mas claro cuando aparece un acordeón con tonalidades de la música Gala, tal vez emulando en cierta forma la genialidad del francés ante expuesto, ”Cliquot” podría ser esa canción; “The Penalty” es un tema que me desata unas enormes ganas de tomar mi guitarra y comenzar a componer algo muy parecido, esta podría ser una de esas canciones en donde el minimalismo se viste de genialidad, dejando que solo las notas interpretadas por la guitarra y un mero acompañamiento final le den vida a una canción de esas que son imprescindibles en una fogata; la verdad es con “Forks and Knives (La Fete) me genera un cierto grado de desagrado, tal vez será por que en algún instante de la canción se me juntan todos los instrumento, y no es muy claro lo que sale de ellos, y esto me genera un transito lento en la melodía, lo que me hace pasar rápidamente de ella.

“In the Mausoleum” me da la sensación que fue una tema escrito tal vez solo para llenar el disco, esa puede ser mi primera impresión, ya que este se escapa mucho de lo que se viene escuchando en este mismo, pero a medida que pasa este logra rectificarse y ganarse su espacio, este tema lo veo como un respiro, o una parada en el disco para poder seguir con las melodías que contagian, de este tema me llama la atención la línea de los violines, me da la sensación de música oriental, una música nipona, esto genera una atmósfera que da sentido intenso. Un tema que le devuelve la línea al disco es “Un Dernier Verre (Pour La Route) el piano que le da sentido y personalidad a esta canción es de verdad muy sutil, lo que da al tema en su comienzo un aire de sutileza enorme, pero luego da la sensación de que algo mayor vendrá, y es así como la misma canción te va preparando para una explosión de sonidos y emociones que da de forma generosa, siendo estas el retorno del sentido principal del disco.

“Cherbourg” me da la sensación con este tema de estar viendo un Films Francés, el comienzo de este da una sonoridad muy especial y a la vez confusa, sonidos muy parejos que se tiñen en algún momentos de tintas hermosas, que decoran toda la canción en su totalidad, aunque el sonido solo retorna a la línea principal del disco tiende igual a ser una expresión extraña de este mismo; “St Apollonia” es de esos temas que en algún momento te da la sensación de que no debiera ir en el disco, en general en tema no es de agrado, y es en honor a esto que no tranzare al momento de hacerle un revisión, para mi solo cabe decir que el tema no me genera mayor expectación… Continuando, por ultimo, y como cierre esta la canción que es homónima al disco “The Flying Club Cup”, creo que no existía un mejor tema para el cierre de este disco, es un excelente tema para termina, es el compendio del disco en si, solo me quedaría decir como conclusión final, que 'The Flying Club Cup' es un excelente disco, el cual no puede faltar en tu biblioteca musical, si eres alguien que le intrigan los nuevos sonidos y propuestas musicales, Beirut, y du disco “The Flying Club Cup” es lo que debes tener como próximo disco a escuchar, teniendo en cuenta que eres un tanto alternativo en gustos musicales.

Tracklist:

Tracklist 
1. "A Call to Arms" 
2. "Nantes" 
3. "A Sunday Smile" 
4. "Guyamas Sonora" 
5. "La Banlieue" 
6. "Cliquot" 
7. "The Penalty" 
8. "Forks and Knives (La Fête)" 
9. "In the Mausoleum" 
10. "Un Dernier Verre (Pour la Route)" 
11. "Cherbourg" 
12. "St. Apollonia" 
13. "The Flying Club Cup" 

domingo, 1 de agosto de 2010

[2003] Papanegro - Superactivo

POR FIN!...

Un disco en español, y además chileno….

Les presento a Superactivo, la primera producción de la banda nacional de Funk/Accid Jazz, Papanegro, un disco diametralmente diferente a los otros que hemos revisado en este Blog. No por que sea mas simple en si mismo, sino por que es mas alegre en todo sentido, por eso, en este review decidí alejarme un poco del rock alternativo y las canciones difíciles de digerir para irme al otro lado de mi biblioteca musical, ese lado mas alegre, mas loco, ese disco que escuchas mientras sales a caminar por la ciudad nada mas que por darte el lujo de caminar sin rumbo… eso es Superactivo

El disco no podría empezar de una manera mejor, “Papanegro”, el primer tema, ( y un interesante arreglo de "Can you Feel The Force" de "The Real Thing") es una explosión en tus orejas casi desde el primer segundo, totalmente bailable, mucha trompeta, increíblemente alegre y con un ritmo rápido, aun recuerdo la primera vez que vi el video en la tele, automáticamente quede enamorado de la banda, y por supuesto nunca olvidare la primera (y desgraciadamente ultima) vez que los vi en vivo… Espectacular!!

Este tema produce una sonrisa automática, y unas casi incontrolables ansias de ponerse a saltar por la pieza, o por donde te encuentres en ese momento…. Uno de los mejores principios de disco que he escuchado, para uno de los mejores discos que ha llegado a mis manos

A “Papanegro” lo sigue automáticamente “Suspensión”, canción bastante mas calmada, como para ir bajando los ánimos, pero no por ello menos enérgica, bastante mas técnico eso si, como el resto de los temas del disco. Con un tono algo “setentero”, pero con un claro toque de modernidad

Me voy a saltar algunos temas para no alargar mucho el review, me dijeron por ahí que con el Ok Computer me fui al chancho, así que la vamos a hacer corta y pasamos directamente a “Cortentrete”

“Cortentrete” es otro de mis favoritos de este disco, paradójicamente, reconozco ( y muy vergonzosamente) que nunca me he dedicado a analizar sus líricas, y por lo general me he conformado con darle una interpretación muy básica y casi siempre basándome en lo que estoy haciendo en el momento en el que lo estoy escuchando (así que por favor no me pidan mucho en ese sentido, en esta ocasión solo me remitiré a lo musical)

“Cortentrete” es un tema muy similar a “Papanegro” en el sentido de lo que provoca al escucharlo, la principal diferencia reside en el ritmo de la canción, mucho más lento y con un bajo que si bien sigue una línea bastante simple casi todo el tema, resulta increíblemente agradable. Un funk mas ligero, pero no por ello menos interesante

Ahora saltémonos un par de temas y pasemos a “Todo Esta Bien”.

“Todo Esta Bien” se puede considerar como la pieza mas “Old School” de la placa, una canción que perfectamente pudo haber nacido en los 70`s y haber “pasado piola” si en esa época hubiese existido una escena Disco/Funk en español

Con un extraordinario protagonismo de los bronces, y un Wah-wah en la guitarra que simplemente no podría ser mas adecuado, “Todo Esta Bien” es un himno al optimismo, al “hecharle pa` elante” como se dice en buen chileno, una verdadera obra de arte del funk nacional.

Ahora pasemos a mi favorito personal, (y quizás el mejor tema que haya escuchado en mi miserable vida) “Wokman”

Al inicial este Review dije que “Superactivo” es el disco perfecto para salir a caminar sin rumbo por la jungla de cemento, y “Wokman” encierra en su música y su letra ese espíritu en su totalidad. Un tema simplemente magnifico, diseñado específicamente con un solo fin… Caminar

Camina, corre, salta, olvídate de todo, sonríe por el simple placer de sonreír, disfruta el viaje… eso es “Wokman”. Un paseo en solitario, acompañado de uno de los ritmos mas alegres que he tenido el placer de escuchar, un tema que te lleva un poco la infancia, a esa forma de ver la vida simple y alegre, una verdadera joya, absolutamente genial.

Ahora, y para terminar, los dejo con “Yuwirisloin” un gran final, para un gran disco, aunque suene redundante, alegre como el solo, no profundizare en sus líricas, por que creo sinceramente que este tema en particular se puede interpretar como más le parezca al oyente

Una pieza muy lúdica, con un teclado muy alegre, una guitarra que si bien simple, le da todo lo que necesita al tema, y un bajo que termina de completar esa sensación de felicidad que te queda al terminar de escuchar este disco.

En resumen, ya sea estés triste, o feliz, mal o bien… todo da lo mismo, esta es una placa que puedes disfrutar en cualquier ocasión. Lejos, de lo mejor que me ha tocado escuchar, una oda a la alegría hecha un disco, nada que decir…

Escrito por MAUS.

Tracklist:
1.- Papa Negro.
2.- Suspensión.
3.- Alegre.
4.- Cortentrete.
5.- Mitch and mitch.
6.- Emotion.
7.- Todo está bien.
8.- Mario teme.
9.- Drama.
10.- Soul on attack.
11.- Cronnos.
12.- Violeta Madrugada.
13.- Wokman.
14.- Vientre mar.
15.- Piririsoso.
16.- Yuwirision.


Nota del Autor: disculpen por favor mis amigos lectores internacionales por mi excesivo uso de la “jerga chilensis” en este review, pero creo que no existió para mi forma mas adeudada de expresar mis ideas en esta situación en particular

martes, 22 de junio de 2010

[2001] Röyksopp - Melody A.M.

Melody A.M es el primer álbum del dúo noruego Röyksopp lanzado en el año 2001. Este disco pertenece a esa música electrónica que uno procesa a su manera, puedes otorgarle diversos momentos en soledad o compañía, especial para un viaje en carretera con In Space. La imaginación la detienes tú, pero en lo personal no puedo evitar imaginar cuncunas gigantes con esas hileras de árboles interminables… con tanto hermoso paisaje y este tema sonando el límite lo pongo yo. En esas noches cuando no estás solo que mejor que escuchar Sparks o She's So... (muchos puntos suspensivos)

Poor Leno a mi parecer es el tema más Royksopp del disco, bailable pero slow a la vez, preciso para una escena de persecución pero no de las policiales hollywoodenses , sino mas bien para una escena mas Trainspoting ( cosas mías).

Este disco es nocturno , viajes de noche iluminados con luz de luna y relieves sombríos, con amigos a la orilla de un lago después de una noche algo alocada o veladas erotizantes con nada más que música.

Este disco entrega momentos...tómenlos.

por APMA.


Tracklist :

1. So Easy (3:44)
2. Eple (3:36)
3. Sparks (5:23)
4. In Space (3:30)
5. Poor Leno (3:57)
6. A Higher Place (4:31)
7. Röyksopp’s Night Out (7:30)
8. Remind Me (3:39)
9. She’s So (5:23)
10. 40 Years Back\Come (4:45)

sábado, 19 de junio de 2010

[2003] Darth Vegas - Darth Vegas

El día de hoy los quiero sorprender con una banda que quiero definir en dos palabras, "entretenida" y "loca". Estoy hablando de Darth Vegas, un proyecto de Michael Lira, el Mike Patton australiano. Un proyecto de música totalmente experimental, que juega mucho con los vientos, principalmente el saxo, con los sintetizadores, haciendo sonidos bastante entretenidos y ésto sumado a la distorsión que aparece de vez en cuando de forma sorprendente y escalofriante la mayoría de las veces.

A la hora de encasillarlo en un estilo musical, lo primero que haré será citar la fuente de donde lo encontré: "Jazzy Cartoon Music Metal Disco", al leer esto me dio risa y me llamó la atención y por eso lo bajé. Luego de escucharlo me encontré que es mucho más que esa mezcla, tiene jazz, música de dibujos animados, metal y disco como dice la cita anterior, pero aún hay más. Hay un ritmo bastante recurrente, que no sé como se llamará, pero me recuerda las películas de espías estilo James Bond. También hay algunas canciones que me transportan a las playas de California Y me dan ganas de surfear (aunque no sepa hacerlo). Y si eso no les parece lo suficientemente variado quisiera agregar los ritmos gitano-circenses con toques latinos de muchas de las canciones, mezclado con lo tétrico de una película de terror antigua .

En mi percepción personal, cuando escuché el disco por primera vez me provocaba expresiones como woooo, waaaa, yaaaa, uuuu, debido a que cada canción, cada sonido me iba sorprendiendo y por ende entreteniendo mucho, haciéndome poner mas y más atención. Las canciones que más me hipnotizaron fueron las más alegres o las con más swing, con las que inevitablemente movía mi cuerpo, como por ejemplo "Ha Cha Cha", "Revenge for a Claw" y "Kowai-go-zero" (esta última super playera).

Como dije en un principio Michael Lira es el Mike Patton australiano, entonces, el que haya escuchado Mr. Bungle o algún otro proyecto de Patton quizás no se vea tan sorprendido, pero de seguro que les gustará tanto como a mi una banda tan entretenida.

Para finalizar sólo dejarlos invitados a descargarlo y escucharlo porque vale la pena, y no creo que en muchos otros lugares le hablen de este disco tan extrañamente entretenido.

TRACKLIST:

01 - Nano Nano
02 - Bomb & The Snowman
03 - Spookhouse
04 - Ha Cha Cha
05 - El Flamo
06 - Captain Terrific
07 - Revenge Of The Claw
08 - Mephisto Mash
09 - Ghost Train
10 - Kowai-Go-Zero
11 - It Came From Beyond


por Marco Mella V.

miércoles, 25 de noviembre de 2009

[2008] Empire of the Sun - Walking on a dream


En estos momentos estoy escuchando Walking on a dream para inspirarme pero es tanto lo que me gusta que más que concentrarme me pongo a cantar y a mover la cabeza.

Ahora si....

Empire of the Sun es un dúo australiano relativamente nuevo que llego a mis oídos milagrosamente. Llevaba mucho tiempo escuchando las mismas cosas de siempre y necesitaba aire fresco....lo que la música siempre me ha hecho sentir estaba desapareciendo y estaba estancada musicalmente y sinceramente no entendía que pasaba. Siempre busque el sentido de lo que estaba escuchando y ya se estaba transformando en dedicarme a criticar mas que a disfrutar lo que escuchaba... Empire of the Sun logro sacarme de eso y hacer que simplemente me dejara querer y disfrute bailando de la manera mas rara en que puedo expresarme. La energia y frescura que me proyectó hizo que volviera a sentirme libre con lo que escuchaba y cada vez que lo ponía movia mi cuerpo y tarareaba con una gran sonrrisa.

Empire of the Sun entrega un proyecto completo, desde lo visual hasta el sentido abstracto de ver las cosas, confianza de querer mostrar lo que tienen en la mente.... esas mujeres que bailan con cara de pez son lo máximo, sombreros psicodélicos y colores; sonidos electrónicos que me hacen bailar extrañamente, entre robot y medusa( yo me entiendo).Walking on a dream tambien nos muestra ese romanticismo ochentero que nunca pasa de moda, con Without you lo cebolla que tengo dentro sale a la luz y me muevo como si bailara un lento con Clean Eastwood en Los Puentes de Madison. Que más decir..... Empire of the Sun en mi biblioteca musical por siempre.
Tracklist:

01. Standing on the Shore
02. Walking on a Dream
03. Half Mast
04. We Are the People
05. Delta Bay
06. Country
07. The World
08. Swordfish Hotkiss Night
09. Tiger by My Side
10. Without You

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