[1970] Miles Davis - Bitches Brew (por Soimda Kislida)

Miles Davis ya se había visto experimentando desde hace unos años, incorporando por primera vez instrumentos eléctricos en "Filles de Kilimanjaro" y cambiando la forma de sus canciones, cada vez más extensas, sumado a las innovaciones técnicas en la edición que se dieron en ese momento, aprovechadas en "In A Silent Way" y en el disco del que  les hablaré de aquí en adelante.

Caótico, desordenado, destructivo, impactante, inclasificable, ruidoso, espontaneo, a veces más  calmo, impredecible, psicodélico, atrapante ; todas estas son apreciaciones que se le puede dar a este disco, pero quizás indescriptible sobre todas las cosas, es necesario escucharlo.


En este disco  la experimentación con las influencias del rock psicodélico y el funk (quizás de una manera oscura), la intensidad sonora,  la densidad (debido a la cantidad de músicos que participaron de estas sesiones) y la pérdida de las estructuras características del jazz que quedan plasmadas en improvisaciones que pasan la marca de los 10 y 20  minutos, estructuradas únicamente por post producción.

"Pharaoh's Dance" comienza suavemente, no advirtiendo al que escucha lo que está por experimentar al cabo de unos minutos, con el registro alto de la trompeta de Miles, los florecimientos frenéticos de Bennie Maupin en el clarinete bajo, los acordes disonantes y distorsionados de Chick Corea y Joe Zawinul en los teclados, y la densa seccion rítmica, todos al mismo tiempo tomando al que escucha en un trance de 20 minutos que solo termina para agarrarte de nuevo en el tema que lleva el nombre del disco,  únicamente para hacerlo todo aun mas hipnótico al acentuar aun más la trompeta de Miles, llena de reverberación y ecos con notas cortas, la repetición marcada del bajo y percusión mas intensa que te llevan por otros 26 minutos.

Desde la pieza que sigue, "Spanish Key" se empieza a marcar un progresivo descenso de los decibeles y la densidad de la instrumentación (pero siempre notando que mientras los temas progresan se hacen cada vez más intensos hacia un clímax),esta vez un poco mas funky, mas mayor en modo y menos oscuro, luego sigue el tema más corto del disco: "John McLaughlin" dedicado al guitarrista del mismo nombre que participó en esta y otras tantas sesiones acompañando a Miles, este tema es notable por ser el único en el que falta su trompeta, justamente por estar dedicado al guitarrista, quien improvisa sobre un instrumental funky como la canción anterior.

Ya "Miles Runs The Voodoo Down" comienza despacio y lentamente se van introduciendo los instrumentos para darle dinámica a la pieza terminando en texturas parecidas a lo que escuchamos en "Spanish Key" y en menor medida "John McLaughlin".

"Sanctuary", el último tema, comienza sorpresivamente disminuido en volumen e instrumentos comparado al resto del disco,  a veces siendo lo más parecido al jazz que Miles toco antes por la célula rítmica y el bajo caminante, pero solo para ir aumentando el grado de exaltación y fuerza sonora (al punto en que se termina pareciendo a las dos primeras canciones) y nuevamente volver a la calma, repitiendo la formula una vez más para terminar el disco.

¿Con que queda uno después de escuchar Bitches Brew?

Haber sido atrapado por una hora y media por un evento sonoro al que ninguno se le parece, una obra cumbre del jazz fusión y de Miles Davis, un disco que destruye todo lo que crea a su paso, lo cual es su hermosura.

Realmente recomiendo que todos escuchen este disco, que se distraigan una hora y media de su vida para apreciarlo por completo, ya sea que no te gusta la etapa eléctrica de Miles, no la conozcas, te guste el jazz fusión, no te guste, te guste el rock, no te guste, te guste la improvisación o no, te guste el jazz o no, pues este disco es uno de esos que no se pueden clasificar y que no se pueden poner en palabras.

TRACKLIST:

1. Pharaoh's Dance
2. Bitches Brew
3. Spanish Key
4. John McLaughlin
5. Miles Runs the Voodoo Down
6. Sanctuary

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[1975] Sloche - J'un Oeil

Después de tanto tiempo sin subir un review decidimos que tenía que ser en grande, con un disco que les parta la cabeza y este es el caso de J'un Oeil de Sloche, una de las tantas bandas de rock progresivo que estallaron en los 70's en la provincia de Quebec en Canadá. Así que sin más preámbulos nos iremos directo al grano.

Este espectacular disco comienza con C'pas fin du monde, que es un poco el resumen de lo que nos entrega Sloche, un poco de Rock Progresivo con Jazz Fusión y lo que a mi en lo personal me llamó la atención, qué es la adición de ritmos funk al estilo Weather Report.
C'pas fin du monde en sus primeras armonías nos eleva hasta los confines del universo en un sueño de sintetizadores mágicos y espaciales que nos hacen imaginar un mundo lleno de fantasía y belleza para luego dar un salto a ritmos más funk resaltando los teclados Rhodes y bajos con más groove. Esta fiesta y este disfrutar que nos entregan las melodías vocales y de sintetizador, con sus cambios y cortes no tan complicados pero llenos de sentimiento nos hacen movernos por completo hasta que pasas de la fantasía de tu sueño a lo que parece la entrada a una pesadilla. Luego de este interludio del mal Sloche nos lleva nuevamente a la cúspide del ritmo con sus bases funk y el diálogo constante entre guitarra eléctrica y sintetizador.

Como todo (o bueno casi todo) disco, J'un Oeil tiene su canción que sobresale por sobre las demás, este es el caso de Le Kareme D'Eros, que nos da golpe tras golpe en nuestro cerebro y en nuestro corazón. La canción comienza con una historia contada por el piano, historia llena de pasajes, emociones y virtuosismo en la interpretación de Réjean Yacola. Luego de más de tres minutos de disfrutar de una pieza hermosa de piano Sloche nos patea la cabeza con la entrada de todos los demás instrumentos y voces para después rematarnos en el suelo con la entrada de las voces angelicales que nos marcarán el camino a las estrofas cantadas.
Si sobrevivieron a la aplanadora musical que pasó sobre ustedes, déjenme decirles que sólo estamos comenzando, porque luego viene un interludio bastante largo pero hermoso de dimes y diretes entre la guitarra eléctrica y el sintetizador que nos hacen olvidar que estábamos escuchando una canción y pasamos solamente a contemplar y disfrutar de tan maravillosas melodías.
Cómo si fuera poco, de forma tímida regresan las voces que cantan la estrofa principal que sube y desciende hasta la parte más pesada de la canción con un toque más "metalero" para la época y lo que podría ser un juicio en una corte intergaláctica.

La verdad es que seguiría hablando y delirando sobre cada canción de este disco, como Algébrique donde tiran toda la carne a la parrilla en cuanto ritmos complejos o Potage Aux Herbes Douteusespero que podría ser bailada por sus amigos alternativos y adictos al buen rock progresivo. Pero como el disco tiene solamente cinco canciones las otras tres las dejo para que las descubran ustedes mismo. Desde ya les digo que tendrán más gratas sorpresas si es que les gustó lo que ya escucharon.


TRACKLIST:

1. C'pas la fin du Monde (8:45)
2. Le Karême D'Eros (10:40)
3. J'un Oeil (4:41)
4. Algébrique (6:23)
5. Potage Aux Herbes Douteuses (7:05)



PRONTO LA DESCARGA EN FLAC

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Volveremos¡¡¡ o Volveremos???

Es lo que nosotros mismos nos preguntamos, Volveremos¡¡¡ o Volveremos???. Parece maldición Cherokee pero cada vez que queremos retomar este proyecto algo lo impide. Ahora, como tantas otras veces tenemos muchas ganas de retomar el blog y recomendarles más de esa mpusica que tanto amamos y queremos que tengan el gusto de conocer y disfrutar junto a nosotros.

El motivo de este mensaje más que darles una certeza de que volveremos es para que sepan que aún seguimos vivos y que nunca olvidamos este hermoso proyecto así que más temprano que tarde los sorprenderemos con un nuevo review...

De momento seguimos activos en FACEBOOK compartiendo música, recitales, videos y experiencias.

Un abrazo amigos melómanos!!!

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PD: Avísenme si hay algún link caído

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[2013] Mayer Hawthorne - Where Does this Door Go? (por Silverio)

Nuestro amigo Silverio nos manda esta recomendación desde México, espero les guste.

Agarrar una patineta, unos rollers, la bici o simplemente salir a trotar por la ciudad... es más, solo a caminar. Son las reacciones que puedes tener si escuchas el "Where does this door go", disco del 2013 que no gozó de la difusión masiva y por eso mismo se convierte en un infravalorado.

 Es esta la tercer y más reciente producción del angelino nacido en Michigan, donde muestra evoluciónes claras en su sonido, al que ya nos habíamos acostumbrado en sus dos trabajos anteriores.

 Las dosis de soul se han refrescado con beats descarados, como en el track <<Wine glass woman>>, que raya en el R&B con una notoriedad; la ritmica limpia y heterogénea. Voces, coros e instrumentos transitan sin cruzarse u opacarse entre sí.

 Si uno no ubica a Mayer Hawthorne ni en foto, al escuchar este disco, uno pensaría que se trata de un afroamericano estilo P-Daddy o Jay Z en versión soft.

 El track que le da nombre a la placa <<Where does this door go>> es un excelente ejemplo de la versatilidad que Hawthorne impregnó al disco, pues este track es una balada que aunque pareciera rosa en un principio, tiene más qué ver con la portada y las situaciones confusas de las que nadie se exenta.

 Son de llamar la atención los samples que hay entre los tracks, como el previo a <<Robot love>>. Sirven bien como intro al tema. Y dicho sea de paso, un gran track bailable-cantable. Hecho a la medida de un viernes por la tarde camino a la fiesta.

 Acentuando el <<refresh>> al sonido, se pueden apreciar muchos elementos <<beat techno>> junto con los ritmos; eso vuelve muy disfrutable los 15 tracks que de principio a fin hacen de este disco una joya dentro de los discos de 2013.

Tracklist :

01. Problematization
02. Back Seat Lover
03. The Innocent
04. Allie Jones
05. The Only One
06. Wine Glass Woman (Produced By Pharrell)
07. Her Favorite Song (featuring Jessie Ware)
08. Ay Bass Player
09. Crime (with Kendrick Lamar)
10. Reach Out Richard (Produced By Pharrell)
11. Corsican Rosé
12. Where Does This Door Go
13. Robot Love
14. The Stars Are Ours (Produced By Pharrell)
15. All Better

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[2013] Ayreon - The Theory of Everything (por Mati)

Advierto que es una larga introducción y un comentario de disco relativamente corto pero esto tiene una razón de ser

Ayreon es de esos proyectos que han marcado profundamente mi vida y no exagero al usar esas palabras. Ha guiado y en cierta forma han cambiado mi forma de ver y oír la música en sí y me ha presentado una serie de bandas que al día de hoy se han transformado en parte de mis predilectas.

Ahora ¿qué es Ayreon? Es la pregunta más básica que debo responder en un principio pero quizá hay una más importante aún para entender el concepto y esta es ¿quién es Ayreon? Y Ayreon se resumen en un hombre de nacionalidad holandesa llamado Arjen Lucassen.

Arjen Lucassen es primordialmente un compositor y multi instrumentista que ha creado una larga lista de proyectos y bandas que se mueven entre el rock/metal progresivo, rock clásico, rock sicodélico, space rock, heavy metal y folk europeo pero que principalmente se ha abocado a darle vida a su más reconocido proyecto (que mezcla todos los estilos que antes nombré), Ayreon.

Este proyecto inició como un trabajo solista de Arjen donde él cantaba y tocaba prácticamente todos los instrumentos (a excepción de la batería) y done además invitó a una serie de músicos reconocidos para colaborar aportando sus voces, solos de algún instrumento o para tocar instrumentos como vientos o cuerdas más clásicas que seguramente él no manejaba tan bien. Esta estructura se ha mantenido a lo largo de los años, pero fue cuando estos discos en solitario con colaboraciones varias dieron el gran paso y entraron dentro de las denominadas “óperas rock” que el proyecto logró mayor relevancia.

Y eso es lo que es Ayreon, un fiel, y en mi opinión el mayor exponente holísticamente hablando, representante de lo que es una ópera rock y/o metal, donde Arjen usa la estructura que ya mencioné anteriormente en cuanto a la música pero que además incluye una historia donde cada cantante invitado representa un papel determinado (por lo general Arjen también toma uno de estos papeles) y las canciones son episodios dentro de esta obra de teatro con música acorde al ambiente emocional de lo que se está narrando.

El primer disco con esta estructura fue el gran Into the electric castle: A space opera del 98’ (del cual orgullosamente poseo una copia :P) que es una historia en sí mismo pero que además iniciaría una saga de discos interconectados entre ellos para crear una gran historia de ciencia ficción (con un aro entre medio que es el disco the human equation -del que también poseo una bella copia xD- que tiene una temática diferente pero que al final hace un pequeño guiño a la historia general) de 4 discos dobles que concluye en su pasado disco 01011001 (2008).

Durante esta saga pasaron un sin número de voces y músicos muy reconocidos, que prefiero que vean en la página de wikipedia dedicada a Ayreon porque es muy larga (http://es.wikipedia.org/wiki/Ayreon), y que dejaron una vara muy alta a superar cuando salió el disco del 2008, de hecho Arjen dijo que no tenía planes de seguir con Ayreon ya que en ese momento no tenía inspiración para superarse ni contaba con el dinero necesario para crear discos tan complejos.

Pero la fe y espera de los fans no fue en vano y este 2013 llega The Theory Of Everything, un disco que inicia una nueva saga en la historia de Ayreon pues nos presenta una historia completamente diferente que ocurre en el presente y que, por lo menos por ahora, tiene un poco menos de fantasía y se centra más en el drama.

En general creo que el disco es excelente tanto lírica como musicalmente además de contar con invitados de lujo. Por otro lado en esta ocasión la estructura cambia un poco dejando de lado las canciones progresivas de 5 a 15 minutos como era la tónica hasta ahora y nos presenta algo bastante novedoso con un disco doble dividido en tan solo 4 canciones. Uno podría decir que con solo 4 canciones estas se tornarían eternas y difíciles de digerir para el público que no le gusta tanto el progresivo pero éstas tienen la salvedad de que cada una se divide en múltiples partes las que en total suman 42, algunas con una duración de 3 a 4 minutos que serían más “normales” y otras que son puentes (muchas veces instrumentales) entre partes más importantes. De esta forma el disco se desarrolla de una forma mucho más teatral y dinámica donde las 4 grandes secciones representarían los actos, partes instrumentales que aparte de darle una ambientación muy bien lograda sirven para separar lo que vendrían siendo los cuadros y finalmente canciones “normales” con diálogos cantados que serían las escenas.

Musicalmente el disco tiene todos los elementos que han hecho famosa a la saga de Ayreon interpretados de muy buena forma. Hay una gran variedad de estilos musicales y ambientes que se logran a través del disco lo que nos sitúa en una especie de viaje que es el objetivo que, creo, tiene el autor al hacer estas obras.

La historia a grandes rasgos nos habla de un físico teórico (Padre) obcecado con la idea de encontrar “la teoría del todo” que vendría siendo una teoría que lograra explicar todos los sucesos que ocurren en el universo en el campo de la física, o sea todo. Este hombre tiene un hijo (Prodigio), personaje principal de la historia, que resulta ser un genio pero que sin embargo tiene problemas para lograr expresar todo su potencial y para relacionarse con el resto lo que acongoja mucho a su (Madre). Es por esta razón que acuden a un doctor (Psiquiatra) que les propone un tratamiento médico que está aún en periodo de experimentación por lo tanto tiene una serie de potenciales riesgos pero que puede resultar muy promisorio. La madre al escuchar de estos riesgos se niega rotundamente al tratamiento pero el padre viendo las posibilidades que podrían nacer de la mejoría de su hijo acepta secretamente la proposición.

Prodigio estudia con un (Maestro) que al parecer se dedica a educar a niños sobresalientes y es aquí donde se nos presenta a (Rival) que era el más inteligente del grupo hasta que prodigio empieza a superarlo. Además está (La Chica) que vendría siendo una especie de enamorada y fuente de un triángulo amoroso.

No cuento más de la historia porque creo que es suficiente y la idea no es arruinar el final.

Una de las cosas muy bien logradas del disco es que la historia se entiende muy bien sin necesidad de elementos extras como datos que aparezcan en el booklet estilo texto añadido o arte conceptual, y tampoco hay que ser un rey del inglés para entenderla, basta con buscar las letras en internet e irlas leyendo junto con la escucha si es que uno no le pegara mucho al asunto.

Otra cosa que me encantó fue el arte gráfico (tanto portada como booklet) a cargo de Jef Bertels que se ha encargado de casi todas las portadas previas de Ayreon.

No me queda más que invitarlos a escuchar el viaje que representa este disco y a echarle una escuchada a los otros proyectos de Lucassen que son de gran nivel (por ej. Star One, Guilt Machine, Stream Of Passion, Arjen como solista, etc). No escribí más sobre el disco porque creo que este tipo de trabajos se debe disfrutar como un todo y centrarse en el concepto más que las características de cada canción, que me daría para escribir varias más áginas.

A continuación los invitados y el tracklist del disco:

Cantantes:

-          Tommy Karevik (Kamelot, Seventh Wonder) como el prodigio

-          Marco Hietala (Nightwish, Tarot) como el rival

-          Michael Mills (Toehider) como el padre

-          Cristina Scabbia (Lacuna Coil) como la madre

-          John Wetton (Asia, UK, ex-King Crimson) como el psiquiatra

-          Sara Squadrani (Ancient Bards) como la chica

-          Janne "JB" Christoffersson (Grand Magus) como el maestro

-          Wilmer Waarbroek – Voz (backing) en coros y 2° voces

Músicos:

-          Rick Wakeman (YES) – Teclados

-          Keith Emerson (Emerson; Lake &  Palmer) – Teclados

-          Jordan Rudess (Dream Theater ) – Teclados

-          Steve Hackett (Genesis) – Guitarra

-          Troy Donockley (Actualmente en Nightwish)– Gaitas, Violin

-          Siddharta Barnhoorn – Orquestación

-          Maaike Peterse – Cello

-          Jeroen Goossens – Falutas, Piccolo, Faluta de Bamboo

Tracklist:

- CD 1 -
"Phase I: Singularity" (23:29)

1. Prologue: The Blackboard / 2. The Theory of Everything part 1 / 3. Patterns / 4. The Prodigy's World / 5. The Teacher's Discovery / 6. Love and Envy / 7. Progressive Waves / 8. The Gift / 9. The Eleventh Dimension / 10. Inertia / 11. The Theory of Everything part 2

"Phase II: Symmetry" (21:31)

12. The Conclusion / 13. Diagnosis / 14. The Argument 1 / 15. The Rival's Dilemma / 16. Surface Tension / 17. A Reason To Live / 18. Potential / 19. Quantum Chaos / 20. Dark Medicine / 21. Alive! / 22. The Prediction

- CD 2 -
"Phase III: Entanglement" (22:34)

23. Fluctuations / 24. Transformation / 25. Collision / 26. Side Effects / 27. Frequency Modulation / 28. Magnetism / 29. Quid Pro Quo / 30. String Theory / 31. Fortune?

"Phase IV: Unification" (22:20)

32. Mirror Of Dreams / 33. The Lighthouse / 34. The Argument 2 / 35. The Parting / 36. The Visitation / 37. The Breakthrough / 38. The Note / 39. The Uncertainty Principle / 40. Dark Energy / 41. The Theory of Everything part 3 / 42. The Blackboard (reprise)

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[2013] Dream Theater - Dream Theater (por Mati)

Es complicado comentar un disco de Dream Theater cuando hay tanta historia tras el nombre de este quinteto, cuando el disco a comentar sale después de uno de los más grandes cambios  que han ocurrido recientemente en la alineación de los neoyorkinos y sobre todo al ser un fan de ellos hace ya bastantes años.

                

Es por ello que no puedo partir sin decir que esta es la primera producción donde el nuevo baterista de la banda, Mike Mangini, participa activamente en la composición tras la salida del legendario Mike Portnoy, cofundador de la alguna vez llamada Majesty. Sobre los cambios en el sonido de la batería ya entraré en detalles, por ahora no hagamos esperar más la revisión de las canciones.

                El disco inicia con un instrumental de tintes épicos, muy al estilo de lo alguna vez hecho por sus compatriotas Symphony X o por qué no decirlo, casi sonando como una intro de un disco de Rhapsody o de ese espectro de bandas de power/epic metal. Hablo de False Awekening Suite, algo hasta ahora nunca hecho por DT pero que de todas formas suena bastante bien, destacando los arreglos en los teclados y sintetizadores de la mano de Jordan Rudess. La canción se divide en 3 partes aunque en realidad es tan corta que no sé cuál fue el objetivo de haber hecho eso.

                

           Seguimos con el primer single del disco salido hace ya un par de semanas, The Enemy Inside. Aquí empiezo a hacer mi verdadero análisis. Primero que todo decir que no es la mejor canción creada por la banda (ni por si acaso), más bien está en la línea de lo hecho por ellos en sus últimos 4 discos, discos que no han sido muy de mi agrado. Guitarras afiladas con mucha distorsión, baterías agresivas y algunos pasajes melódicos para amenizar la cosa, sonidos que muchas veces resultan en recursos baratos o clichés para hacer funcionar una canción. Más allá de lo antes dicho destaco el sonido que logran cuando inician las líneas de James LaBrie, sobre todo en lo que concierne a la guitarra que nos presenta unos riffs barridos que recuerdan a su primer disco (WDADU) o a las grandes bandas norteamericanas del metal progresivo de los 80’ y 90’ como Queensryche o Fates Warning, con una batería y un bajo dedicados a marcar los tiempos… no se, me trae algo de nostalgia. En cuanto a solos está relativamente bien, Rudess y Petrucci suenan inteligentes pero pese a ello no me terminan de convencer, algunos de los efectos usados por Rudess no me agradan para nada. El coro tampoco brilla mucho que digamos, en fin, es una canción más que no pasará a la historia.

        

       Luego seguimos con The Looking Glass, para mí una de las mejores de todo el disco. Un acierto total porque es de esas canciones que le hacía falta a DT, un progrock con tintes poperos que nos recuerda al Rush de finales de los 80’ (una de mis bandas favoritas). LaBrie suena muy bien, maneja a la perfección los cambios de fuerza en cada parte, desde su voz más agresiva a esas partes susurradas que hasta el día de hoy le quedan geniales.  Aprovecho de decir que a lo largo del disco LaBrie anda bastante bien, no lo siento tan chillón como en las entregas más recientes, al parecer por fin se dieron cuenta que las canciones se deben adaptar a la forma actual en que un vocalista canta y no a como cantaba hace 20 años. Un poco después de la mitad de la canción aparece un solo de guitarra con un bajo de sonido sucio lo que me gusta mucho, por fin se le vuelve a dar algo de protagonismo a Myung (aunque a lo largo del disco sus líneas no sean muy elaboradas como antaño), la guitarra de Petrucci por su parte muy inspirada con un solo emocional, no como esas basuras de solos que estaba haciendo en el último tiempo a una velocidad supersónica pero que parecían hechos por una máquina.

       Continúa un nuevo instrumental que lleva por nombre Enigma Machine, canción de inicio muy potente con guitarras que me recuerdan vagamente a Megadeth. Es interesante que aparezcan 2 canciones instrumentales en un disco de DT cuando habían hecho falta en la mayoría de sus producciones nuevas. No es una canción de un virtuosismo excelso pero de todas formas está bien, me agrada sobre todo el trabajo de los teclados con solos de Rudess que de seguro sonarán muy bien en vivo. Un punto bajo que tiene es que presenta cortes y cambios de ritmo muy drásticos que no fueron unidos de la mejor forma quitándole algo de continuidad a la canción.

     Aprovecho esta instancia instrumental para comentar la llegada de Mangini. Es claro que Portnoy era parte clave del sonido, de la imagen y de todo el concepto que envolvía a DT por lo que su salida dejó un hoyo difícil de tapar. No voy a entrar en comentarios sobre las peleas que pudieron haber existido dentro de la banda para que Portnoy decidiera salir, sólo decir que a mi parecer la idea del batero de darse un descanso le hubiera hecho bien a toda la banda para tomar nuevos aires y que me parece muy soberbia la postura de DT de no dejar regresar a Portnoy cuando él realmente quiso volver… en fin, cosas de la música.

       En lo que concierne a Mangini, me trae sensaciones contradictorias. Por una parte su presencia en el nuevo disco se nota pues claramente el sonido de la batería y por tanto de las canciones cambió, poco, pero cambió. Hay partes en que se agradece un montón este nuevo aporte pero en general la batería no brilla mucho, no hay prácticamente ninguna canción donde su sonido sea preponderante, sólo en algunas secciones donde le da más peso “metalero” a las canciones y en pequeeeeños tramos como en Enigma Machine en que tiene un solo de unos 4 segundos que tampoco es para aplaudirlo de pie. Lo que más me molesta del batero se centra en 2 cosas, primero sus pasadas por los timbales que definitivamente no me gustan y segundo el sonido de la caja que sencillamente me da progeria. Qué mal afinada quedó, parece que el parche estuviera totalmente suelto o hubiera provenido de un MIDI, MUY MAL.

       The Bigger Picture es de esos midtempo/balada que ya ha hecho DT en varias ocasiones y que busca llegar a través de la emocionalidad. En general es una canción disfrutable, tiene partes muy bonitas pero no me logra convencer tampoco, quizá es demasiado larga y las partes más intensas se diluyen. Un buen intento pero se queda en la media.

      Un inicio muy interesante nos presenta a Behind The Veil (para quien sea más fan de la banda se habrá dado cuenta que durante el disco se usan varios sonidos que nos recuerdan discos anteriores, este inicio no es la excepción) con un tono medio místico que da paso a un riff potente bastante bueno pero que tristemente es sucedido por otro que lo opaca, un riff estilo Metallica muy trillado últimamente por Petrucci que acompaña a un LaBrie agresivo que debe ser de sus partes más bajas dentro del disco. Siento que el vocalista podría haber dado mucho más de si porque sé que tiene ese potencial, sin embargo recurre a una voz copia de Mustaine de “pseudo malo” con mucha distorsión lo que no ayuda para nada. Por suerte eso dura poco y luego aparece un coro seguido de estrofas bastante mejores. En líneas generales es una canción que me gusta, con una estructura más simple de coros y estrofas y un solo final muy bien logrado tanto en teclados como en guitarras.

      Volvemos a los sonidos tipo Rush (muy Rush) al inicio de Surrender To Reason para luego dar paso a una guitarra acústica (Sí, aunque usted no lo crea) y a un órgano Hammond que encaja muy bien. Lo que sigue son múltiples cambios de ritmo y tono dentro de la canción con coros eclesiásticos y todo. Termina con un coro que engancha mucho, segundas voces agradables y partes en que el bajo vuelve a resaltar. Pese al desparramo de ideas que pudiera llegar a presentar esto, la canción logra concretar un buen concepto. Siento que esta canción tiene influencias muy variadas y que logran ser mezcladas y enfocadas de buena forma, me suena a Rush, a Deep Purple, a Riverside y a Black Sabbath, todo junto. Para mí otro de los puntos altos del disco.

     Como penúltima canción aparece Along For The Ride, segundo adelanto que nos había presentado DT. Es una balada muy bonita tanto musical como líricamente. En realidad no tengo mucho que criticarle, sólo el efecto usado por Rudess en el solo que no pega para nada, en este caso una muy mala elección. Como decía, no es una canción perfecta pero suena bien y está por sobre la media.

     Terminamos el disco de la mejor forma posible (y me alegra mucho escribir eso). Con una canción de más de 20 minutos como ya ha venido haciendo DT en varias ocasiones como en Octavarium o en The Count Of Tuscany. Hablo de Illumination Theory, canción dividida en 5 partes (I. Paradoxe De La Lumière Noire; II. Live, Die, Kill; III. The Embracing Circle; IV. The Pursuit Of Truth; V. Surrender, Trust & Passion).

        Me llama la atención como en un inicio es muy similar a lo escrito alguna vez por Portnoy en su saga de canciones donde hablaba de su paso por la adicción al alcohol y cómo logró superarla. Dejando de lado esta curiosidad la canción está compuesta de partes bien definidas y diferentes entre sí. Así tenemos una parte interpretada íntegramente por un conjunto de cuerdas muy bella, realmente agradezco la inclusión de ella dentro del disco. Lo único que le hubiera cambiado habría sido poner un violín mayor que resaltara y que en las partes dramáticas agregara un poco más de vibrato para hacernos llorar como niñitas c:. Luego aparece una parte genial, con el bajo como protagonista, no muy técnico pero dándole un toque más de “grupo musical” a esta máquina que de repente parece que fuera más una de suma de sus partes que un todo. Voces inspiradas con aspecto al Megadeth de sus mejores tiempos son los que sigue, para luego dar paso a una sección instrumental magnífica que me recuerda a algunas bandas de jazz metal que suelo escuchar. Pasando la mitad de la canción aparece un juego de solos de guitarras y teclados muy bien logrado que desemboca en unos versos muy emocionales (algo así como lo hecho en The Spirit Carries On)  y finalmente en una pequeña sección de piano que conmueve y muestra una de las mejores parte de DT, esa que no necesita de solos explosivos sino de acordes íntimos que destilen belleza.

     Y eso fue el disco homónimo de Dream Theater, una placa ambiciosa desde un inicio por el solo hecho de llamarse Dream Theater y tener una portada que muestra el símbolo de la banda en plateado y de fondo un planeta Tierra con el sol asomándose. Quizá es una indirecta hacia Portnoy, espero que no sea así. De todas formas creo que es el mejor de los últimos 4 discos de la banda específicamente porque suena diferente y se atreve (un poco) a navegar por nuevos mares. No creo que sea el disco definitivo de la banda ya que en sus inicios con menos recursos crearon piezas mucho mejores (con el gran aporte de Moore que se les fue precozmente). Esperemos que el futuro traiga buenas cosas de la mano de estos gringos.

Tracklist:

1. FALSE AWAKENING SUITE
i. Sleep Paralysis
ii. Night Terrors
iii. Lucid Dream

2. THE ENEMY INSIDE
3. THE LOOKING GLASS
4. ENIGMA MACHINE
5. THE BIGGER PICTURE
6. BEHIND THE VEIL
7. SURRENDER TO REASON
8. ALONG FOR THE RIDE
9. ILLUMINATION THEORY
i. Paradoxe de la Lumière Noire
ii. Live, Die, Kill
iii. The Embracing Circle
iv. The Pursuit of Truth
v. Surrender, Trust & Passion

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