[2013] Ayreon - The Theory of Everything (por Mati)

Advierto que es una larga introducción y un comentario de disco relativamente corto pero esto tiene una razón de ser

Ayreon es de esos proyectos que han marcado profundamente mi vida y no exagero al usar esas palabras. Ha guiado y en cierta forma han cambiado mi forma de ver y oír la música en sí y me ha presentado una serie de bandas que al día de hoy se han transformado en parte de mis predilectas.

Ahora ¿qué es Ayreon? Es la pregunta más básica que debo responder en un principio pero quizá hay una más importante aún para entender el concepto y esta es ¿quién es Ayreon? Y Ayreon se resumen en un hombre de nacionalidad holandesa llamado Arjen Lucassen.

Arjen Lucassen es primordialmente un compositor y multi instrumentista que ha creado una larga lista de proyectos y bandas que se mueven entre el rock/metal progresivo, rock clásico, rock sicodélico, space rock, heavy metal y folk europeo pero que principalmente se ha abocado a darle vida a su más reconocido proyecto (que mezcla todos los estilos que antes nombré), Ayreon.

Este proyecto inició como un trabajo solista de Arjen donde él cantaba y tocaba prácticamente todos los instrumentos (a excepción de la batería) y done además invitó a una serie de músicos reconocidos para colaborar aportando sus voces, solos de algún instrumento o para tocar instrumentos como vientos o cuerdas más clásicas que seguramente él no manejaba tan bien. Esta estructura se ha mantenido a lo largo de los años, pero fue cuando estos discos en solitario con colaboraciones varias dieron el gran paso y entraron dentro de las denominadas “óperas rock” que el proyecto logró mayor relevancia.

Y eso es lo que es Ayreon, un fiel, y en mi opinión el mayor exponente holísticamente hablando, representante de lo que es una ópera rock y/o metal, donde Arjen usa la estructura que ya mencioné anteriormente en cuanto a la música pero que además incluye una historia donde cada cantante invitado representa un papel determinado (por lo general Arjen también toma uno de estos papeles) y las canciones son episodios dentro de esta obra de teatro con música acorde al ambiente emocional de lo que se está narrando.

El primer disco con esta estructura fue el gran Into the electric castle: A space opera del 98’ (del cual orgullosamente poseo una copia :P) que es una historia en sí mismo pero que además iniciaría una saga de discos interconectados entre ellos para crear una gran historia de ciencia ficción (con un aro entre medio que es el disco the human equation -del que también poseo una bella copia xD- que tiene una temática diferente pero que al final hace un pequeño guiño a la historia general) de 4 discos dobles que concluye en su pasado disco 01011001 (2008).

Durante esta saga pasaron un sin número de voces y músicos muy reconocidos, que prefiero que vean en la página de wikipedia dedicada a Ayreon porque es muy larga (http://es.wikipedia.org/wiki/Ayreon), y que dejaron una vara muy alta a superar cuando salió el disco del 2008, de hecho Arjen dijo que no tenía planes de seguir con Ayreon ya que en ese momento no tenía inspiración para superarse ni contaba con el dinero necesario para crear discos tan complejos.

Pero la fe y espera de los fans no fue en vano y este 2013 llega The Theory Of Everything, un disco que inicia una nueva saga en la historia de Ayreon pues nos presenta una historia completamente diferente que ocurre en el presente y que, por lo menos por ahora, tiene un poco menos de fantasía y se centra más en el drama.

En general creo que el disco es excelente tanto lírica como musicalmente además de contar con invitados de lujo. Por otro lado en esta ocasión la estructura cambia un poco dejando de lado las canciones progresivas de 5 a 15 minutos como era la tónica hasta ahora y nos presenta algo bastante novedoso con un disco doble dividido en tan solo 4 canciones. Uno podría decir que con solo 4 canciones estas se tornarían eternas y difíciles de digerir para el público que no le gusta tanto el progresivo pero éstas tienen la salvedad de que cada una se divide en múltiples partes las que en total suman 42, algunas con una duración de 3 a 4 minutos que serían más “normales” y otras que son puentes (muchas veces instrumentales) entre partes más importantes. De esta forma el disco se desarrolla de una forma mucho más teatral y dinámica donde las 4 grandes secciones representarían los actos, partes instrumentales que aparte de darle una ambientación muy bien lograda sirven para separar lo que vendrían siendo los cuadros y finalmente canciones “normales” con diálogos cantados que serían las escenas.

Musicalmente el disco tiene todos los elementos que han hecho famosa a la saga de Ayreon interpretados de muy buena forma. Hay una gran variedad de estilos musicales y ambientes que se logran a través del disco lo que nos sitúa en una especie de viaje que es el objetivo que, creo, tiene el autor al hacer estas obras.

La historia a grandes rasgos nos habla de un físico teórico (Padre) obcecado con la idea de encontrar “la teoría del todo” que vendría siendo una teoría que lograra explicar todos los sucesos que ocurren en el universo en el campo de la física, o sea todo. Este hombre tiene un hijo (Prodigio), personaje principal de la historia, que resulta ser un genio pero que sin embargo tiene problemas para lograr expresar todo su potencial y para relacionarse con el resto lo que acongoja mucho a su (Madre). Es por esta razón que acuden a un doctor (Psiquiatra) que les propone un tratamiento médico que está aún en periodo de experimentación por lo tanto tiene una serie de potenciales riesgos pero que puede resultar muy promisorio. La madre al escuchar de estos riesgos se niega rotundamente al tratamiento pero el padre viendo las posibilidades que podrían nacer de la mejoría de su hijo acepta secretamente la proposición.

Prodigio estudia con un (Maestro) que al parecer se dedica a educar a niños sobresalientes y es aquí donde se nos presenta a (Rival) que era el más inteligente del grupo hasta que prodigio empieza a superarlo. Además está (La Chica) que vendría siendo una especie de enamorada y fuente de un triángulo amoroso.

No cuento más de la historia porque creo que es suficiente y la idea no es arruinar el final.

Una de las cosas muy bien logradas del disco es que la historia se entiende muy bien sin necesidad de elementos extras como datos que aparezcan en el booklet estilo texto añadido o arte conceptual, y tampoco hay que ser un rey del inglés para entenderla, basta con buscar las letras en internet e irlas leyendo junto con la escucha si es que uno no le pegara mucho al asunto.

Otra cosa que me encantó fue el arte gráfico (tanto portada como booklet) a cargo de Jef Bertels que se ha encargado de casi todas las portadas previas de Ayreon.

No me queda más que invitarlos a escuchar el viaje que representa este disco y a echarle una escuchada a los otros proyectos de Lucassen que son de gran nivel (por ej. Star One, Guilt Machine, Stream Of Passion, Arjen como solista, etc). No escribí más sobre el disco porque creo que este tipo de trabajos se debe disfrutar como un todo y centrarse en el concepto más que las características de cada canción, que me daría para escribir varias más áginas.

A continuación los invitados y el tracklist del disco:

Cantantes:

-          Tommy Karevik (Kamelot, Seventh Wonder) como el prodigio

-          Marco Hietala (Nightwish, Tarot) como el rival

-          Michael Mills (Toehider) como el padre

-          Cristina Scabbia (Lacuna Coil) como la madre

-          John Wetton (Asia, UK, ex-King Crimson) como el psiquiatra

-          Sara Squadrani (Ancient Bards) como la chica

-          Janne "JB" Christoffersson (Grand Magus) como el maestro

-          Wilmer Waarbroek – Voz (backing) en coros y 2° voces

Músicos:

-          Rick Wakeman (YES) – Teclados

-          Keith Emerson (Emerson; Lake &  Palmer) – Teclados

-          Jordan Rudess (Dream Theater ) – Teclados

-          Steve Hackett (Genesis) – Guitarra

-          Troy Donockley (Actualmente en Nightwish)– Gaitas, Violin

-          Siddharta Barnhoorn – Orquestación

-          Maaike Peterse – Cello

-          Jeroen Goossens – Falutas, Piccolo, Faluta de Bamboo

Tracklist:

- CD 1 -
"Phase I: Singularity" (23:29)

1. Prologue: The Blackboard / 2. The Theory of Everything part 1 / 3. Patterns / 4. The Prodigy's World / 5. The Teacher's Discovery / 6. Love and Envy / 7. Progressive Waves / 8. The Gift / 9. The Eleventh Dimension / 10. Inertia / 11. The Theory of Everything part 2

"Phase II: Symmetry" (21:31)

12. The Conclusion / 13. Diagnosis / 14. The Argument 1 / 15. The Rival's Dilemma / 16. Surface Tension / 17. A Reason To Live / 18. Potential / 19. Quantum Chaos / 20. Dark Medicine / 21. Alive! / 22. The Prediction

- CD 2 -
"Phase III: Entanglement" (22:34)

23. Fluctuations / 24. Transformation / 25. Collision / 26. Side Effects / 27. Frequency Modulation / 28. Magnetism / 29. Quid Pro Quo / 30. String Theory / 31. Fortune?

"Phase IV: Unification" (22:20)

32. Mirror Of Dreams / 33. The Lighthouse / 34. The Argument 2 / 35. The Parting / 36. The Visitation / 37. The Breakthrough / 38. The Note / 39. The Uncertainty Principle / 40. Dark Energy / 41. The Theory of Everything part 3 / 42. The Blackboard (reprise)

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[1998] Faith No More - Who Cares a Lot? (Limited Edition)

Faith No More – Who Cares a Lot (Primera Parte)

Hola amigos, sé que no sabían de nosotros en mucho tiempo, y algunos de Uds. han expresado su preocupación al respecto, lo que agradecemos sinceramente.  Pero, AQUÍ ESTAMOS AÚN, los Ratones Ciegos no han muerto…   solo andaban de parranda!!…  jajaja

Así que en esta ocasión, les traigo algo un poco diferente a lo que generalmente hacemos, un disco Recopilatorio, y en 2 partes.  Esperamos que lo disfruten.

Siempre me he preguntado, por que los discos recopilatorios estilo “The Best Of”, nunca cumplen lo que prometen, y rara vez su contenido puede ser catalogado como “The Best”.

Por lo mismo, nunca he sido muy amigo de este tipo de discos, pero en esta ocasión, y considerando lo precario de mi actual situación (Estoy sin computador…) aproveche las ventajas de mi cómodo trabajo de oficina, y descargue el “Who Cares a Lot”, disco recopilatorio de una de mis bandas favoritas “Faith no More”, para que me acompañe en mi jornada laboral.

Lo primero que note al revisar el Tracklist, es que a diferencia de muchos recopilatorios, este si se ve bastante interesante,  la selección de los temas está particularmente bien hecha, y a pesar de que a mi gusto, le faltan un par de canciones (Just a Man por dar un ejemplo), este no tiene temas “de relleno”, el set esta elegido con pinzas, solo lo mejor.

La placa esta ordenada cronológicamente,  desde la época de Chuck Mosley y el “Introduce Yourself”, hasta, el algunas veces cuestionado “Album of the Year”, lo que nos permite a grandes rasgos, y en poco menos de 1 hora, tener un sentido bastante claro de la evolución musical de la banda.

Empezamos escuchando la versión original de “We care a Lot”, en la voz de Chuck Mosley. Bastante representativo de la primera época de FNM,  gran tema,  una muy marcada línea en el bajo, y una batería que lo sigue obedientemente durante todo el tema.

Luego nos pasamos a los temas del “The Real Thing”, en este caso son: “From out of Nowhere”, “Epic y “Falling to Pieces”. Ahora, si bien la banda ya cuenta con nuestro amigo Patton en la voz, su influencia aun no es tan marcada como en producciones posteriores. Se mantiene el mismo estilo, un bajo muy presente, y canciones casi alegres.

En los cortes “Midlife Crysis”, a “Small Victory “y “Easy”, ya se puede ver claramente la influencia de Mike Patton, con mucha más participación de la guitarra, Riffs poderosos, un ambiente general mucho mas oscuro, y el toque casi humorístico que da el cover de “Easy”, de The Comodores.

Siguiendo esta línea, ya característica de la banda, nos encontramos con “Digging The Grave”, “The Gentle Art of Making Enemies”, “Evidence” y “I Started a Joke”, Todos del “King for a day” de 1995, Disco que ya revisamos anteriormente y del que pueden encontrar más información en este, nuestro querido y humilde Blog. Pero a modo de resumen, les puedo contar que en esta placa podemos ver el lado más “Pesado” de la banda, muchos y muy oscuros Riffs en la Guitarra, y los siempre impecables gritos guturales de Patton. Mención aparte merece “I Started a Joke”, cover de “The Bee Gees”, el cual cumple un papel muy similar al de “Easy” en el “Angel Dust”

Para terminar, nos vamos con los representantes de la última parte de la carrera de FNM, “Last Cup of Sorrow”, “Ashes to Ashes” y “Stripsearch”  Del no tan bien ponderado “Album of the Year”.
En mi opinión, un excelente disco, algo mas calmado que los anteriores, es verdad, pero esto no quita que exude calidad por todos sus poros…  Pero bueno, que pesa mi opinión frente a la de nuestros colegas de “Rolling Stone”?, esa pregunta se las dejo a Uds.

Y bueno amigos, eso sería por ahora, dentro de los próximos días, y si el tiempo y el ánimo acompañan, les traeré la segunda parte de este Review, con el disco 2 del “Who cares a Lot”, El cual esta compuesto de unos jugosos “B-Sides”

Nos vemos.

 - Maus

Tracklist:

CD1:

01 - We Care A Lot (Original Version)
02 - Introduce Yourself
03 - From Out Of Nowhere
04 - Epic
05 - Falling To Pieces
06 - Midlife Crisis
07 - A Small Victory
08 - Easy
09 - Digging The Grave
10 - The Gentle Art Of Making Enemies
11 - Evidence
12 - I Started A Joke
13 - Last Cup Of Sorrow
14 - Ashes To Ashes
15 - Stripsearch

CD2

01 - The World Is Yours
02 - Hippie Jam Song
03 - Instrumental
04 - I Won’t Forget You
05 - Introduce Yourself (4-Track Demos)
06 - Highway Star
07 - Theme From Midnight Cowboy
08 - This Guy’s In Love With You

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[2012] Poets of the Fall - Temple of Thought (por Mati)

Poets of the fall es una banda que conocí hace una par de años de forma no convencional y agradezco mucho esta forma no convencional por habérmela presentado. De entre mis pasiones aparte de la música se encuentran los videojuegos y también las buenas historias y libros (de misterio y terror sobre todo) y resulta que cuando mágicamente se juntan estas 2 variables soy tremendamente feliz… pero cuando además se juntan con una buena banda sonora ese juego se transforma en objeto de culto para mí. Es así como seguí el desarrollo del juego Alan Wake de Remedy Entertainment desde su anuncio (ahora está dentro de mis clásicos) y por ahí leí la noticia que una banda finlandesa estaba muy metida en la banda sonora del juego (Remedy también es una empresa finlandesa), claramente mi siguiente paso fue buscar material de ellos y paff (nació chocapic!, no mentira), amor a primera vista  (en relación a esto recomiendo la canción War hecha para el juego y que tiene un video sencillamente alucinante y también The poet and the muse que en el juego es interpretada por una banda ficticia llamada Old Gods of Asgard y que cuenta parte de la historia del juego).

Dejando de lado la historia volvemos al presente y es así como a principios del 2012 nos encontramos con Temple of Thought, el 5° disco de esta banda de rock (rock melódico, rock alternativo, hard rock, por ahí se mueven) que a grandes rasgos respeta mucho la esencia de lo que ha venido haciendo la banda y cumple con algo que para mí ha sido regla: nunca POTF ha hecho una canción que no me guste.  Un disco donde prima la melodía, las canciones creadas inteligente y sensiblemente con intención de gustar y de ser bien digeribles, los sonidos que te llegan directo al corazón y las letras por lo general en la esfera del amour.

El disco comienza con Running out of time, una canción bien rockera de base melódico que en sus cortos 3:10 minutos entrega un inicio bastante entretenido y se transforma en una especie de inyección de adrenalina con la que POTF nos quiere decir “hey! aquí estamos y venimos a hacer lo que mejor sabemos hacer, música”.

Seguimos con la canción que le da nombre al disco, Temple of thought es esa canción que tiene todo el sello POTF y es precisamente por eso que se te queda grabada de inmediato, su letra nos habla del espíritu altruista de un amante dispuesto a todo para borrar la tristeza de su amada y hacerla feliz (uy que cosa más kawaii :3), todo esto claro acompañado de una melodía hermosa que se pasea entre partes lentas y sobrecogedoras, entre otras de gran energía y que se corona con un coro perfecto. Sin duda uno de los puntos altos del disco, destacan los 3 elementos esenciales de la banda, la increíble voz de Marko Saaresto, las guitarras de Olli Tukiainen y los teclados y arreglos de Markus Kaarlonen (en este momento tanto la batería como la 2° guitarra están siendo apoyadas por músicos no oficiales invitados en los tours).

En tercer lugar llega la primera balada del disco, Cradle in love comienza con una guitarra acústica que luego es acompañada de la versátil voz de Marko, tan profunda y raspada en algunas canciones pero en esta ocasión reemplazada por una voz melosa que se combina con falsetes muy bien logrados. Una canción bonita para cantarle a la polola (pese a que los falsetes serían bastante difíciles de imitar :P). Corresponde al primer single del disco cuyo video no recomiendo mucho porque Marko se ve bastante tonto con la ropa que se les ocurrió ponerle.

Kamikaze love es otra canción en la beta rockera sin llegar al nivel rockeril de Running out of time, con guitarras melódicas pero que en ciertas partes junto a la batería invitan a emocionarse y mover la cabeza. Destaca el muy disfrutable coro y la proyección que tiene para ser interpretada en vivo y hacer moverse al púbico.

A continuación aparece The lie eternal, canción fuertemente marcada por el gran trabajo vocal (perdón por ser fijado en eso pero en algún momento canté en una banda y tiendo a cantar las canciones mientras las escucho) y por un coro muy ganchero con un trabajo de guitarras que le entrega el peso y emoción precisos seguido de una parte lenta donde desaparece la guitarra y predomina el teclado y la batería distorsionada que sirve a modo de respiro para luego volver al rock en la parte final. Una de las canciones con más fuerza y que más me emociona dentro del disco, otra canción que funciona muy bien en vivo y otro de los puntos altos del disco.

Justo en la mitad del disco nos encontramos con Skin, una canción muy íntima en medio tiempo cercana a ser una balada pero que en su desarrollo tiene diversos elementos y arreglos orquestales que le brindan un ambiente bastante épico. Me imagino que siendo simplificada podría encajar muy bien para  cantarla acompañada de una guitarra junto a una fogata y a un buen grupo de amigos. Vuelvo a repetir, gran trabajo vocal.

The distance es una canción que se sale un poco de los márgenes de lo común para la banda, su base rítmica no se forma de la común batería sino que es reemplazada por una base programada cercana a la música electro/rock o más bien electro/pop, quizá hecha con una batería eléctrica o derechamente hecha sintéticamente, estoy solo especulando. El teclado marca gran presencia en la estructura de la canción y la guitarra toma el papel de crear melodías para darle ambiente a la cosa aunque tiene un mini solo que suena bastante bien y le da un poco más de protagonismo. Una apuesta atrevida pero que sale victoriosa, me recuerda en algo al cover que le hizo Alanis Morissette a Crazy de Seal años atrás.

Show me this life vuelve a los ritmos más acelerados, posee un buen coro y un mini solo de guitarra que le da un toque perfecto para contextualizarla dentro de su onda rockera. No tengo mucho más que decir, una canción simple pero efectiva como la mayoría de las cosas que hace POTF que te invita a cantar, me encanta.

Seguimos con Morning tide, una balada que tiene una estructura parecida a Skin pero que por lo menos a mí me gusta aun más, con una letra muy bella y un sonido íntimo me llega bastante a la cuchara. Posee una melodía y un aporte de teclado y guitarra que la hacen muy “épica” (es segunda vez en este review que digo que una balada es épica pero por alguna razón eso me hace sentir, canciones que transmiten mucha emotividad y emoción y que dan ganas de subirle todo el volumen y dejarse envolver por la música. Gran gran canción.

On the morning tide
We’ll hoist the sails to brave the crashing waves
Won’t you come with me and hear the ocean sigh?
And if to its depths it called us by our names
Won’t you sail to the shore with me?

Llegando casi al final nos encontramos con The ballad of Jeremiah Peacekeeper que con su sonido medio “western” de aires Ennio Morricone crea una atmósfera muy compleja, mezcla de catedral, lejano oeste y fogata. Lo que más me intriga de esta canción es su letra a la que por lo menos yo le puedo atribuir varios significados, me gustaría ser capaz de saber bien de quién habla pero eso le da un misterio que me atrae bastante.

Cerrando el disco suena The happy song, canción que forma parte de la banda sonora de un DLC de Alan Wake para la plataforma arcade de Xbox 360 llamado Alan Wake’s American Nightmare que es como una pequeña side story. Dentro de este contexto la canción cabe como anillo al dedo pero no voy a espoilear sobre la historia del video juego, sólo me limito a decir que es una canción con un ambiente bastante distorsionado y enfermizo y un sonido rockero más pesado de lo que suena la media de las canciones de POTF y que con su corta letra nos transporta a la mente de un psicópata. Pese a que suene contradictorio es una canción muy entretenida de escuchar.

 Bueno este es el fin de mi segundo review en esta página, ojalá disfruten el disco tanto como yo lo hice y si quedan interesados en la banda pueden buscar su disco recopilatorio Alchemy Vol. 1 que resume bastante bien su carrera. Aaaadios

Tracklist:

01 – Running Out of Time

02 – Temple of Thought

03 – Cradled in Love

04 – Kamikaze Love

05 – The Lie Eternal

06 – Skin

07 – The Distance

08 – Show Me This Life

09 – Morning Tide

10 – The Ballad of Jeremiah Peacekeeper

11 – The Happy Song

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[2002] Porcupine Tree - In Absentia (por Mr. Beardy)

Era el año 2009. Mi obsesión por la banda Dream Theater seguía férrea y el escuchar sus discos una y otra vez era un hábito de casi todos los días, durante años.

Lamentablemente, o más bien, afortunadamente este ciclo se rompió en mil pedazos cuando una tarde un buen amigo me hizo un comentario "¿Dream Theater? deberías escuchar a una banda de verdad". Obviamente tal comentario produjo una incómoda reacción defensiva seguida de un "¿ah sí?" incrédulo.

La canción Blackest Eyes, primer tema del disco In Abentia del año 2002 y objeto de esta review, dio comienzo a un camino de descubrimiento maravilloso hacia uno de los grandes exponentes del rock psicodélico y progresivo, los ingleses Porcupine Tree.

En ese momento yo no lo sabía, pero el disco de esta review representa un antes y un después en la historia de la banda, particularmente por la salida del baterista Chris Maitland y el ingreso de Gavin Harrison, además de un marcado paso hacia elementos musicales que van más allá de lo psicodélico, como riffs distorsionados bastante pesados que en conjunto con la fundación rítmica del bajo y la batería le otorgan un matiz metálico a la banda, sin perder nunca la esencia rockera y no metalera que los caracteriza.

In Absentia relata la historia de un hombre que eventualmente se convierte en psicópata y asesino, desde su infancia hasta su adultez. El carácter oscuro encaja perfectamente con la música. Es el disco de la belleza macabra.

Vamos entonces a sumergirnos en este gran disco!

1) Blackest Eyes: El solitario riff de guitarra eléctrica acompañado de sonidos sintetizados, dan la sensación de que algo grande esta por venir, pero yo no estaba preparado para la impresión final que esta canción completa causaría en mí. Poco después, con una abrupta y poderosa entrada, Gavin Harrison se hace presente en las baterías, provocando interés inmediato y una curiosidad que pocas veces había experimentado al escuchar música nueva. La producción musical es exquisita. El riff es bastante bueno, pesado y oscuro pero lo más notable es el contraste aural que existe entre esta introducción y el verso que es de carácter muy melódico y de una cualidad casi etérea, la cual se intensifica con las bellas melodías en el pre-coro y coro.
Letras como
"A mother sings a lullaby to a child
 Sometime in future the boy goes wild
 and all his nerves are feeling some kind of energy"
presagian de una manera muy bonita el futuro sórdido y macabro de esta persona.
Sin duda estaba enfrentando algo especial y me cayó como una piedra en la cabeza de que sí de verdad existe música rockera moderna que puede comunicar tanto o más con elementos simples y bien compuestos, sin excesos virtuosos o en los arreglos musicales.

2) Trains: Mucha gente que conoce a Porcupine Tree acabadamente o no, diría que esta canción es su "hit". La verdad es que detesto la palabra porque es discriminatoria en contra de música que no es designada como tal y que también es verdaderamente notable. En el caso de Porcupine Tree tienen muchísimas canciones con gran contenido tanto musical como lírico.
Trains se caracteriza por ser una canción que provoca melancolía, pero no del tipo triste. Se le llamará entonces melancolía feliz jajaja, quizás a uds. también les provoque lo mismo. Es del tipo de canciones charangueras que lo invitan a uno a pescar la guitarra acústica y aprender la canción a como de lugar, con un inglés deplorable. Posee ciertos rasgos que aluden a Radiohead.
La canción tiene por objeto a los trenes y las líneas ferroviarias en verano, como ícono de memorias nostálgicas del pasado. Representa los cálidos recuerdos del personaje principal de esta historia.

3) Lips of Ashes: Este tema es probablemente uno de los más etéreos de todo el disco, con sus exóticos sonidos en la intro, el hipnótico riff de guitarra acústica perpetuo y espaciosas lineas floydianas de guitar swells (o notas de guitarra sin ataque, imitando un violín).
Con letras como
"Idolised
 Black Eyes fading
 You and I
 Connection failing
 I drill down inside"
marca quizás el comienzo de la caída en espiral que ocurre en la mente del personaje en la historia, producto de una ruptura sentimental.

4) The Sound of Muzak: Esta canción es un paréntesis dentro de la historia de nuestro personaje.
El mensaje es claro y sin segundos significados. Es básicamente una queja personal de Steven Wilson hacia la podredumbre y banalidad musical de los medios masivos.
Es de especial notoriedad la impecable ejecución de Gavin Harrison en baterías.

5) Gravity Eyelids: El escuchar los fantasmales acordes de coros de mellotron dan una sensación inmediata de oscuridad y sentimientos funestos. Si se le suma una base de trip hop realmente se crea una atmósfera rítmica especial.
Aquí se ven atisbos de desesperación en nuestro personaje con letras como
"Open your eyes now
 Hear me out before I lose my mind
 I've been waiting for hours
 Let the salt flow, feel my coil unwind"
El tema progresa en esta senda oscura y posteriormente se suma la batería, para después calmarse y volver furiosamente en un ataque distorsionado que se apacigua tal como comenzó.

6) Wedding Nails: Es un tema instrumental que es particularmente efectivo en representar sin palabras, el descenso hacia la locura. El crujiente riff de guitarra da paso a unas baterías pesadas, acompañado de sutiles acordes de sinte y posteriores coros de mellotron que sellan la densa atmósfera.

7)Prodigal: Probablemente una de las melodías más nostálgicas y hermosas de este disco. Son muy notables las líneas de guitarra eléctrica con slide que evocan inequívocamente el espíritu desencantado y triste presente en la canción con letras como
"I don't know whose side I'm on
 I don't think that I belong round here
 If I left the stage would that be wrong?"El coro y sus armonías tiene un muy marcado aire floydiano con las siguientes letras
"Rain keeps crawling down the glass
The good times never seem to last
Close your eyes and let the thought pass"
Para mí la canción representa los últimos pensamientos de sensatez de nuestro personaje antes de sumirse por completo en la oscuridad.

8) .3: Bello tema instrumental dominado por la línea de bajo. Los arreglos de cuerda determinan el carácter nostálgico del tema. Posteriormente cae en rasgueos acústicos acompañados de guitarra eléctrica con chorus, el cual es una característica sónica de la banda. El final con cuerdas es de gran belleza y evoca una profunda melancolía.

9) The Creator Has A Mastertape: Es sin duda la canción más frenética del disco. El vertiginoso ritmo de la batería y la línea de bajo acompañan letras como
"He captured and collected things
 And he put them in a shed
 He raised a proper family
 So he could tie them to a bed"
Se ve claramente la disfunción mental del individuo que tiene cosas más siniestras por hacer aún.

10) Heartattack In A Lay By: Otro paréntesis y la canción más conmovedora del disco. La melodía es sinónimo de infinita tristeza.
Cuenta la historia de una persona que sufre un ataque cardíaco en la carretera y su deseo de volver a estar con la persona que ama. No se sabe si esta reunión sucede o no.
Es de especial mención el clímax vocal en el cual se yuxtaponen varias lineas vocales que crean una sensación de desesperación.

11) Strip The Soul: De vuelta con nuestro perturbado individuo y una línea de bajo similar a .3 sólo que esta canción no tiene rasgos de belleza.
Relata las andanzas del personaje, donde maniata, tortura y mutila a su familia con letras como
"This is my home, this is my own, we don't like no strangers
 Raise the kids good, beat the kids good and tie them up
 Spread it wide, my wife, my life, push the camera deeper
 I can use, I abuse, my muse, I made them all"
La locura del individuo esta consumada con las siguientes letras
"They are not gone, they are not gone, they are only sleeping
 In graves, in ways, in clay, underneath the floor
 Building walls, overalls, getting bored, I got faulty wiring
 Brick it up now, brick it up now, but keep the bones"
La música tiene un aire a Tool y con justa medida es la canción más oscura del disco.

12) Collapse The Light Into Earth: Una vez consumado el acto siniestro, nuestro personaje siente la necesidad de ser redimido pero sabe que las cosas no cambiaran para mejor. Aquí les dejo las letras completas…Nos vemos y espero que puedan disfrutar de este disco tanto como yo!
I won't shiver in the cold
I won't let the shadows take their toll
I won't cover my head in the dark
And I won't forget you when we part

Collapse the Light Into Earth

I won't heal given time
I won't try to change your mind
I won't feel better in the cold light of day
But I wouldn't stop you if you wanted to stay

Collapse the Light Into Earth

Tracklist:

1. Blackest Eyes (4:23)
2. Trains (5:56)
3. Lips Of Ashes (4:39)
4. The Sound Of Muzak (4:59)
5. Gravity Eyelids (7:56)
6. Wedding Nails (6:33)
7. Prodigal (5:32)
8. .3 (5:25)
9. The Creator Has A Mastertape (5:21)
10. Heartattack In A Layby (4:15)
11. Strip The Soul (7:21)
12. Collapse The Light Into Earth (5:52)

Bonus:

13. Drown with Me

14. Chloroform

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[2007] Trapezoide - La Rebelión de los Peluches

Hola amigos, hoy les traigo algo diferente, un review de una banda local. Bueno, es una banda local donde yo vivo, pero obviemos ese detalle y vamos a lo nuestro.

La banda que hoy nos junta es Trapezoide, banda del sur de Chile, y bastante reconocida por estos lares. Ellos nos presentan un propuesta rockera muy interesante, que integra de modo impecable instrumentos mapuches como el Kultrún, el Trompe y la Trutruka, logrando un sonido propio como pocos, que destaca por su singularidad y potencia.

La placa que hoy revisaremos empieza con “El despertar”, tema con un suave inicio de guitarras y ride, al que lo sigue una potente entrada de la batería en los toms, manteniéndose muy cerca de la métrica de la música mapuche. La fusión es simplemente excelente, sobre todo durante el genialmente ejecutado solo de trutruca (si, leyeron bien, un solo de trutruca). Podría decirse que “El Despertar” es un buen ejemplo de lo que seguiremos escuchando, así que si hasta aquí les gusto la idea, sigan escuchando, por que no se arrepentirán.

 En “Hidrofobia en 1/8” Cambiamos un poco la dinámica, pero manteniendo la idea de la fusión músico/cultural que define a esta producción, acá notamos mas la influencia rockera, sobre todo en las guitaras, En principio recuerda un poco a Tool con su genial Aenima, pero con lo que supongo es un Trompe modificado electrónicamente y palos de agua en el fondo.

Seguimos con “Invasión Marxiana”. Aunque yo no calificaría a este disco como “experimental” puede que este tema sea lo mas cercano a eso que podemos encontrar aquí, La guitarra crea una atmosfera algo tétrica y una asustada voz de fondo termina por general una opresiva sensación, la que da paso a un potente riff que se mantiene en un patrón simple hasta el final.

Pasamos a “Aura Negra”, en este corte la banda juega un poco mas con la electrónica, e incluye una voz femenina a la mescla, puede parecerse un poco a lo que podemos ver en el “Mandylion” de “The Gathering”, mezcla bien interesante a decir verdad

“Es Mentira” explora un lado totalmente diferente de la música. Tema instrumental, muy ambiental, casi relajante, muy adecuado para bajar las revoluciones antes del final

Y para finalizar tenemos “La gente va a Morir”, Potente titulo, para una potentísima canción, se asemeja mucho a “El despertar” manteniendo mucho de su espíritu, pero enfocándose mucho mas en su excepcional lirica, cargada de despecho, de un sentimiento de derrota y de mucha rabia reprimida, rabia contra la gran maquinaria social y su efecto contra la naturaleza y sus propios hijos. Quizás una de las mejores letras que he tenido el placer de escuchar en este último tiempo.

En resumen, un disco muy representativo del Rock Valdiviano, potente, consiente y creativo. Como ya he mencionado la inclusión de instrumentos típicos mapuches y el excelente uso que se les da a estos desde el punto de vista de la composición hacen de Trapezoide una de la grandes bandas del sur de Chile

Tracklist:

1. El Despertar

2. Hidrofobia en 1/8

3. Invasión Marxiana

4. Aura Negra

5. Es de Mentira

6. La Gente va a Morir

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[1999] Mr. Bungle - California

Debido al estado super creativo o más bien dicho perceptivo de las cosas en el que me encuentro, haré un review un tanto especial...ya que sólo pondré a correr el disco y expresaré lo que me hace sentir la música. OOOOOOOOH.!!!...es increíble!!! -exclama el pubilco-.

Hoy: Mr.Bungle - California (tu ritmo playero que te acompañó durante las vacaciones).

"Sweet Charity" es como estar pensando bajo un quitasol sobre una toalla en la arena, alrededor de las 6 de la tarde mientras se empieza a ocultar el sol.

Al contrario de la relajación de Sweet Charity, "None Of Them Knew They Were Robots" se siente como un montón de payasos entrando en una cueva pa’ esconderse. Que después entran a un bar de payasos alemanes y al final empieza una pelea y queda la media zorra (caos total) y tienen que salir arrancando de la cueva.


(Estaba buscando un lápiz, pero me di cuenta que estaba escribiendo en el computador)

El estar escuchando "Retrovertigo" en vinilo le da un toque especial a esta canción...es ese sonido típico del vinilo cuando la aguja se encuentra con esas pequeñas basurillas en el disco, haciendo que suene como antiguo y más relajante.

"The Air-Conditioned Nightmare" es como un musical de los 50 del futuro, como Grease pero con la vestimenta de los 50 en Viaje al Futuro pero con luces fluorescentes y colores mucho más vivos.

La siguiente canción, mi favorita, "Ars Moriendi". Empieza como gitana, después medio árabe hasta que entra un sonido electrónico y transforma la canción en techno de final de película de Bollywood mezclado con tocata metal. Pero entra Ennio Morricone y se los caga a todos.
Esta canción tiene una de las escenas... escenas, por qué dije escenas...la verdad es que en mi mente no estoy escuchando una canción sino que viendo una película... (creo que eso explicará muchas cosas).
Aaaa… lo que quería decir es que esta canción tiene una de las partes más épicas musicalmente...en la parte que dice tada tada tada ta ta ta tada tada......

Y AL DAR VUETA EL DISCO:

Aaaaa "Pink cigarrette"...esta ya caché que es de espías...así suena!, lo juro!... Como un espía en una noche apoyándose en las paredes y escondiéndose de la nada. Pero que sale a la luz de la luna llena y nos canta su historia triste de lo que es ser un detective privado. Hasta que al final, mientras los lobos aúllan a la luna...MUERE!!

"Golem II: The Bionic Vapour Boy". Esta es la juguetería de los juguetes descompuestos y deformes (como los que salen en ToyStory pero más diabólicos). En esta canción podemos apreciar muy bien la reunión entre robots, peluches y figuras de goma y/o plástico. Musicalmente es re cuática (muy rara para los extranjeros), tiene muchos sonidos de diferentes lados, épocas y estilos.

Con "The Holy Filament" te sientes en un tren viajando por las nubes, donde luego bajas de noche al mar antártico a volar y te toma prisionero un barco pirata, te encierran en un calabozo y lo único que te da vida y esperanza es ver las nubes desde tu ventanilla en el calabozo. Ese tipo de cosas pasan con esta canción.

Ahora me acordé que este es un disco playero... "Vanity Fair" me hace encerrar todo lo que es este disco como imagen playera, pero expresado en una sola canción, que sería ésta.

UUUUUUUUUUUuuuuuuuuuuuuu "Goodbye Sober Day... esta canción es la zorra... el puro principio es épico, con esas armonías de voces y el montón de cambios muuuuuuy cuáticos... Si hasta tiene un viaje en el tiempo hasta el oriente en el año 1000 a.C. para después ir a la era primitiva de los comienzos de la raza humana.
Con un final hermoso donde se escuchan todos los sonidos de todos los instrumentos y cosas al mismo tiempo.

Y así finaliza este particular review hecho por su humilde servidor en su estado más creativo (y destructivo).

Tracklist:

1. "Sweet Charity" 5:05
2. "None of Them Knew They Were Robots" 6:03
3. "Retrovertigo" 4:59
4. "The Air-Conditioned Nightmare" 3:55
5. "Ars Moriendi" 4:10
6. "Pink Cigarette" 4:55
7. "Golem II: The Bionic Vapour Boy" 3:34
8. "The Holy Filament" 4:04
9. "Vanity Fair" 2:58
10. "Goodbye Sober Day" 4:29

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[2009] John Frusciante - The Empyrean (por HR20)

'The Empyrean' es el último álbum de John Frusciante (ex-guitarrista de Red Hot Chili Peppers) como solista, hasta el momento. Frusciante suele experimentar con distintos estilos musicales en cada álbum, caracterizándose 'The Empyrean' por una gran variedad de sonidos electrónicos y efectos para voz y guitarra en sus canciones generando una mezcla entre rock, ambient y electrónica que, sin embargo, no lo estanca en el minimalismo que suele aplicarse a estos últimos dos estilos, sino que lo envuelve en un complejo clima psicodélico.

Frusciante además, tanto en este como en muchos de sus anteriores trabajos, combina varias voces en sus temas, su propia voz para ser específico. En otras palabras... se escuchan muchos Frusciantes cantando a la vez, lo cual se oye muy bien gracias a los efectos usados y, claro está, su experiencia como segunda voz en Red Hot Chili Peppers.

Sin más preámbulo, pasemos a hablar de algunos temas...

Comenzando el álbum nos encontramos con "Before the beginning", un instrumental... es música ambient en todo aspecto a la que se le da forma con un jam de guitarra eléctrica, el mismo artista lo define como "una melodía que debe escucharse con la luz apagada, relajado y a todo volumen" (cabe destacar que el tema tiene un volumen bajo en comparación al resto del tracklist)

El segundo tema es un cover de un clásico de Tim Buckley, "Song to the siren" (si no lo conoce, escúchelo antes de seguir leyendo) una hermosa canción que en manos de John Frusciante da un giro de 360°, sino de 180°, porque la canción no pierde su esencia para nada. Nuevamente la música ambient es la base de la melodía. Esta canción está hecha para... sólo disfrutar de la armonía de la voz y la melodía. La canción conserva todo lo que tuvo originalmente, una gran adaptación a mi parecer.

Continuamos con una de mis favoritas... "Unreachable", me encantan los cambios de esta canción, el protagonismo se lo llevan instrumentos más comunes como los teclados y un bajo, sin dejar de lado los sonidos electrónicos. En el minuto 3.40 entran a trabajar las guitarras, primero con un solo en base al ritmo y luego una variación conjunto de los instrumentos, momento en el que, según yo, explota la canción para llegar a su final. Excelente tema.

Luego tenemos "God", con esta canción completamos la tetralogía que da origen al álbum. ¿Por qué tetralogía? Pues porque los cuatro primeros temas son un paso muy sutil de la música ambient al rock, en God ya encontramos melodías más "familiares al oído", no taaaaan experimentales, sin dejar de lado la insignia del álbum.

"Dark/Light" es una canción dividida en mitades, la primera es una base de piano acompañada con el canto de Frusciante... varias voces acompañadas con efectos, lo cual da paso a una especie de puente donde el "ánimo" de la canción (por decirlo de alguna forma) cambia completamente, de algo melancólico a algo más esperanzador (Dark/Light, Oscuridad/Luz), eso da comienzo a la segunda mitad. Termina el "puente" y el bajo se roba la película, acompañado de unos acordes en guitarra y las voces dando un carácter "sagrado", recordando un poco a la música góspel.

Con "Heaven" nos encontramos con un trabajo muy similar a lo que se había visto en discos anteriores de Frusciante, guitarra, batería y bajo como instrumentos principales... terminando la canción con piano y violín para darle "el toque". Algo no muy salido de los estándares. No deja de ser un gran tema.

Me saltaré el séptimo tema para hablar de "Central". Seguimos en un clima de rock (experimental) con la presencia de guitarra, bajo, teclado, batería y sintetizadores. Avanza rápido... de verso, a coro explosivo, verso, coro explosivo, un breve puente con teclado... y!!! la canción se transforma. Comienza un juego con los instrumentos volviendo al carácter ambient que apreciamos antes... algunas armonías con multitud de instrumentos acompañados de Frusciante cantando para finalizar con solos de guitarra y el violín de fondo.

Ahora sí, avancemos y retrocedamos... hablaré a la vez del séptimo y el noveno tema... "Enough of me" y "One more of me". Ambas partes de una misma historia, más bien de un pensamiento. El primer tema comienza lentamente con sintetizadores para dar paso a la canción en sí. Volvemos a escuchar la guitarra del músico, teclado, bajo y batería.. acompañado de un controlado ruido blanco... finaliza con un solo de guitarra, ruido blanco constante de fondo y aparece algún instrumento de percusión al estilo pandero o maracas. La continuación es la misma melodía... pero esta vez se utilizan instrumentos de cuerda frotada... de fondo hay contrabajo y teclado... en esta continuación, Frusciante emplea efectos en su voz para que se escuche más grave, más profunda, como si viniera del más allá o algo por el estilo, es interesante contrastar los dos temas en cuanto a su instrumentación considerando la idea que plantea cada uno.

"After the ending" es el tema que da por finalizado el álbum. Un piano crea la melodía mientras Frusciante canta con efectos de eco y oscilación... a medida que avanzamos se van añadiendo sintetizadores y segundas voces más agudas. Es un gran conjunto de efectos, todos orbitando al piano con gran armonía. Suena como una buena despedida.

Algunas versiones del álbum incluyen, además, dos temas adicionales: "Today" y "Ah Yom" que, a mi parecer, deberían haber sido ubicados en el medio del álbum, en algún lugar... y no al final. Pero bueno, cada artista decide la estructura de sus discos y más aún si se trata de Bonus Tracks.

En resumen, "The Empyrean" es un disco diferente... diferente a lo que puede oírse normalmente en la radio... diferente a lo que se escuchó de Frusciante en Red Hot Chili Peppers... diferente a lo que se escuchó de él mismo en sus anteriores álbumes solistas. Éste álbum es una apuesta a reinventarse, merece ser escuchado en detalle, notar como varían entre sí los temas, el modo como se comunican, el uso de los instrumentos, las voces y los efectos para contextualizar lo que quiere contarse en cada canción. Si disfrutas de la música de este artista y además prestas real atención a este álbum gozarás de un inspirador viaje espiritual.

Tracklist:

1. "Before the Beginning" - 9:08
2. "Song to the Siren" - 3:33
3. "Unreachable" - 6:10
4. "God" - 3:23
5. "Dark/Light" - 8:30
6. "Heaven" - 4:03
7. "Enough of Me" - 4:14
8. "Central" - 7:16
9. "One More of Me" - 4:06
10. "After the Ending" - 3:38

Extras:

11. "Today" - 4:38
12. "Ah Yom" - 3:17

MIRROR 1

MIRROR 2

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[2009] Pearl Jam - Backspacer

Cuando Backspacer vio la luz por primera vez, por alla por el lejano 2009, no recibió las mejores criticas que digamos, de todo fue dicho en su momento, desde que había perdido calidad en relación a sus antecesores, hasta que era “el disquito del verano”, bueno para escucharlo en la playa, pero nada mas.

Ahora, yo no podría estar mas en desacuerdo con esa idea, de hecho, podría hasta decir que lo mas notable de Pearl Jam desde el Yield vendría a ser Backspacer.

Quisas mas de alguno por ahí ya esta escribiendo un comentario en mi contra en el cual desahoga la rabia de las frustraciones del día, pero espérenme un poco, déjenme explicar mi punto y después pueden proseguir

Backspacer recupera a mi gusto, mucha de la energía de los primeros trabajos de Pearl Jam (Ten y V/s), y si bien no de la misma manera que en los primeros 2 discos, se nota un cambio paradigmatico en relación al “Pearl Jam” del 2006 (o “La Palta”, pa los amigos), e incluso al bastante destacarle “Riot Act”, de principios de siglo. Básicamente un año atrás, pero manteniendo la madures musical de (en ese entonces) 18 años de carrera

Backspacer consigue a mi gusto conjugar de buena manera temas crudos en su sonido (como “Got Some” o “Supersonic”) con otros que suenan mucho mas elaborados en su construcción(“Unthought Known”, seria un bien ejemplo de esto)

En general, podriamos incluso decir que este disco es un resumen de la carrera de la banda, encontrándonos en el con temas que podrian pertenecer al Ten o al V/s (Supersonic), al Vitalogy (Speed of Sound), al Yield (The Fixer), o a cualquier otro que quieras citar.

Para finalizar este mini-review, solo les puedo decir, que a pesar de haber sido en algunos casos vapuleado por la critica, Backspacer es un muy buen disco, si, puede que algo mas liviano de lo que podríamos esperar, pero tampoco es “el disco del verano” como se dijo en algun momento. Muy completo, muy agradable al oído,capaz de pasar de la euforia a la melancolia de un tema a otro y sin que se haga desagradable. Se nota en el que los años no pasan en vano en lo que a experiencia refiere, y puedo decir con toda propiedad, que este es definitivamente un gran trabajo, para una gran banda.

Tracklist:

1. Gonna se my friend
2. Got Some
3. The Fixer
4. Johnny Guitar
5. Just Breathe
6. Amongst the Waves
7. Unthought Known
8. Supersonic
9. Speed of Sound
10. Force of Nature
11. The End

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[2000] A Perfect Circle - Mer de Noms

Son ya cerca de 10 años, si no son mas, desde la primera vez que escuche este disco, hasta recuerdo el momento exacto, en la casa de un amigo que lo había comprado hace un par de dias. Era esa hermosa época en que mis oídos aun no estaban contaminados ni sobre estimulados, cuando todo era nuevo para mi, y cada disco era una nueva y emocionante aventura

Bueno esos tiempos desgraciadamente pasaron, a la larga la sorpresa se transforma en tedio, y la emoción en costumbre, por eso mismo decidí revisar este disco en particular. Lo escuche hace años, y por alguna razón, salvo temas sueltos, lo perdí de vista durante varios años.

Mer de Noms es el nombre de la primera producción de "A Perfect Circle", banda que para muchos puede ser una “Version Light” de Tool, pero a mi no me cuenten entre esos muchos. Mi opinion difiere mucho en esa idea. En realidad yo lo clasificaría mas dentro de mi cajón de “experimentales”, ya que si bien la banda en general denota una marcadisima influencia de Maynard James Keenan, y es este quien (se podria decir) le da es espiritu a los temas, insisto en que es un proyecto totalmente diferente a lo que fue Tool y a lo que es actualmente

Y con eso suficiente introducción, la idea la iré desarrollando durante la revisión del álbum para ahorrarles tiempo y lata

Empecemos

The hollow, junto a Judith, 3 libras y Magdalena son mis favoritos de la placa, Quisas se por que son estos 4 los mas “convencionales” que podemos encontrar entre los 12 que nos presenta APC. Pero bueno, volviendo al tema.

"The Hollow" es un tema bastante convencional a decir verdad, una batería interesante, medianamente compleja para un corte de sus estilo, pero que no destaca por si genialidad, en general algo predecible, pero tampoco si intención es no serlo, en resumen, un muy buen tema, ordenado pero no aburrido, cambia los suficiente durante su duración como para mantenerte atento, muy recomendable

seguimos con magdalena, también muy convencional, de hecho muy al estilo "post grunge de mediados de los 90s. Algo mas potente que su antecesor, pero sin ser exagerado, también muy recomendable

Ahora, si bien “Rose” y su obscuro ambiente “Semi-industrial”, así como varios mas, son temas que definitivamente merecen mención en este humilde review, optare por las razones antes mencionadas a saltarme algunos temitas, el resto como de costumbre, se los dejo a uds

Y así pasamos a “Judith”. Quisas el mas reconocible de los 12. De aca yo personalmente destacaría la batería y la voz, la primera por lo divertida de interpretar, y a pesar de ser similar a la de “The Hollow”, por alguna extraña razón disfruto mas; Y la segunda por que me recuerda por momento a la aspereza vocal de “Aenima” de Tool.

Este es probablemente el tema mas destacarle del disco, sin desmerecer al resto por supuesto, de todas maneras, lo dejo a su criterio queridos amigos. Como consejo.. Pónganlo fuerte

En “Orestes”, es donde uno de los factores fundamentales de “Mer de Noms” se hace presente con claridad, La Melancolía. "Orestes" es una pieza de poco mas de 4 minutos y medio, en la que un 50% es melancolía, 30% calma y el 20% restante rabia, la guitarra en sus partes mas calmas me recuerda por alguna extraña razón a “Good bye Blue Sky” de Pink Floyd (¿?), y la voz por momentos desgarradora de Keenan sintetiza de buena manera el “leit motiv” de la placa en su totalidad

Saltemonos algunos temitas y pasemos directamente a “Thomas"

Este corte no da señales de su intención hasta por lo menos el segundo 26, y aun así, aun resulta confuso pasado medio minuto después de eso. Algunos quisas quieran colgarme después de decir esto, pero al igual que muchos otros temas del disco, este me recuerda a la rama mas potente del Grunge (Alice in Chains por poner un ejemplo), con guitarras potententes, que dan paso a suaves melodías y gritos profundos para sazonar, bueno, esa es mi opinión, como siempre, todo queda a su criterio gente

Por mucho que me apene, no puedo por temas de espacio y tiempo alargarme en mis reviews, así que paso directamente a “breña” y con eso los dejo

“Breña” es un tema de lírica vivencial al igual que “Judith” (la que tiene que ver con la temprana muerte de la madre de Keenan). En este caso, “Breña” es una ex-novia de nuestro vocalista y como ya paso con otros cortes de la placa, este denota tanto rabia como melancolía. Con guitarras bien dosificadas y voces quisas demasiado dulces, pero que pasan al final de casa verso a un leve estado de desilusión

Bueno, hasta acá los puedo dejar, espero disfruten este gran disco y que hagan buen uso de el, ademas, les recomiendo escuchen el Aenima de Tool, que si bien no se le asemeja mucho al hoy revisado, es una excelente experiencia auditiva

Nos Vemos Pronto!

Tracklist:

1. The Hollow
2. Magdalena
3. Rose
4. Judith
5. Orestes
6. 3 Libras
7. Sleeping Beauty
8. Thomas
9. Renholdër
10. Thinking of You
11. Breña
12. Over

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[1997] Foo Fighters - The Colour And The Shape

Foo Figthers es una banda a la que le ha costado mucho hacerse un nombre dentro de la escena rock, y no por falta de talento o de rock. Sino por el estigma que esta acarrea al ser “La banda del baterista de Nirvana”

¿A que me refiero con esto?, es simple amigos, tenían la vara muy alta, y se esperaba mucho de ellos, es mas, se los llego a considerar como sucesores espirituales de la banda de Kurt y compañía, cosa que la banda nunca fue (y nunca pretendió ser tampoco). En resumen, FF no nace como la continuación lógica de Nirvana, si no como un proyecto totalmente aparte de Dave Grohl (quien dicho sea de paso, canta mejor de lo que toca la batería).

Y bueno, a lo que nos trajo acá… El Disco

“The Color and the Shape”, es el segundo disco de los Foo, y en el se siente mas claramente el espíritu de la banda. Algo más calmado que su antecesor, mantiene la energía, pero la encausa más maduramente, y tiene mas claro hacia donde dirigirla que el Foo Figthers (1995).

En el se incluyen temas que pasaron a ser verdaderos Himnos de la banda (basta con mencionar My Hero y Everlong para dejar claro mi punto), pero no nos enfoquemos aun en ellos, ya habrá tiempo mas tarde.

Primero que todo hablemos del disco.

Para mi gusto, “The Colour and the Shape “es algo difícil de clasificar dentro de un estilo en particular, tiene de todo un poco, desde melancolía pura (Doll, February Stars, Walking after you), temas casi de un “Punk californiano noventero” (Monkey Wrench) y hasta un corte que con algunas modificaciones, pudo haber perfectamente pertenecido al In Utero de Nirvana (Enough Space). Todo esto unido casi como por ate de magia por la genialidad de Grohl, quien como antes dije, demuestra en esta producción, ser un mucho mejor Frontman que Bataca.

Y para que hablar de lo Himnos de este álbum. “My Hero”, Con una potente y bien calculada batería, y una bajo que la sigue fielmente durante todo el tema, una guitarra en tonos mas bien agudos y la potentísima voz de Grohl, hacen de este tema un clásico inmediato, del cual, y haciendo uso de esta formula, se desprendería mucho de los trabajos posteriores de la banda, siendo a mi gusto, uno de los primeros temas del actual estilo musical de la banda.

Y por supuesto, no podemos dejar fuera a “Everlong”. ¿Que puedo decir de Everlong?.

Quizás uno de los temas mas apasionados de los 90s, un verdadero clásico de esa extraña década. Construido casi pieza por pieza, muy diferente a cualquier otro tema del disco, potente a su manera, sinceramente, una de mis temas favoritos, y no solo de los Figthers, si no de esa extraña mezcla de grupos y estilos diferentes que llenan mi biblioteca musical. Por que no decirlo, uno de los mas grandes temas de los 90s.

Pero dejémoslo ahí por hoy, como siempre, me gusta dejar algo para que lo interpreten por Uds. mismos, así que no les quito el placer de hacerlo.

Bueno en resumen, The Colour and the Shape, no es un disco que yo personalmente clasificaría como Grunge, de hecho, no lo clasificaría dentro de ningún estilo. Creo que eso seria un poco como cortarle las alas.

Diría más bien, que es parte de una generación difícil de clasificar en un estilo musical, pero que se ve bien resumida en este álbum

Saludos amigos, nos vemos pronto

Tracklist:

1. Doll
2. Monkey Wrench
3. Hey, Johnny Park!
4. My Poor Brain
5. Wind Up
6. Up In Arms
7. My Hero
8. See You
9. Enough Space
10. February Stars
11. Everlong
12. Walking After You
13. New Way Home

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[2010] Mondiola - Inmigrantes

Primero que todo me disculpo por no haber escrito en tanto tiempo, porque el trabajo dejó mi cuerpo y mente bastante cansados, lo que impidieron que pueda analizar algún disco apropiadamente. Pero ahora vengo con bastantes energías para compartir un nuevo disco con ustedes. Así que sin más preámbulos les hablaré de "inmigrantes", el primer disco de los argentinos Mondiola.

Como dice en su sitio web "el grupo se caracteriza por su estilo ecléctico fusionando ritmos latinoamericanos... teniendo como principal filosofía la apertura de géneros y la mezcla de culturas sin restricciones morales ni estilísticas...". Descripción que se cumple a concho, porque de principio a fin podemos ver la mezcla de muchos de los estilos que conforman nuestra rica música latinoamericana, con los toques precisos de rock y arreglos de corte progresivo.

El disco es corto, dura sólo 24:13 minutos, tiempo suficiente para mostrar la gran calidad musical de estos músicos vecinos nuestros, dónde se resaltan las percusiones y las guitarras sumado a muchos arreglos y detalles que le dan el cuerpo a cada tema. Las canciones son un va y ven de emociones que tratan de reflejar el sentir de nuestros pueblos, canciones que sienten las penas, las alegrías y las luchas de nuestra gente.

Como siempre haré un desglose de mis canciones favoritas, comenzando con "América Austral", un perfecto comienzo carnavalezco donde se nota la influencia brasileña y un charango infiltrado que le da un toque muy especial, con un coro épico que a mi personalmente me encanta (...♪y nadie sabe como fue que ocurrió♪...).

Luego de este comienzo espectacular, me salto directamente a "El Pescador del Río", un tema muy calmado que al cerrar los ojos casi puedo escuchar el golpear de las pequeñas olas en el bote de este pescador del que habla la canción, sin duda lograron lo que querían reflejar con la canción.

Las otras canciones que me llaman mucho la atención, fuera de lo musical, sino que por curiosidad, son "Ensalada Rusa", donde creo que el nombre se le atribuye a lo diverso del tema y "Parapapira II" donde hay unas voces masculinas graves que me hacen imaginar algún tipo de ritual, bueno esa es mi percepción.

Sólo me queda recomendarles este disco de nuestros vecinos trasandinos, que está muy bien logrado, con muy buen sonido, y de mucha calidad musical que rescata nuestras raíces latinoamericanas, cosa que muchos el día de hoy están olvidando.

Tracklist:

1. América Austral (4:23)
2. Inmigrantes (4:06)
3. Cartón (5:45)
4. Cartón –Epílogo- (1:23)
5. Carnavalito al Cielo (0:56)
6. Ensalada Rusa (1:50)
7. El Pescador del Río (2:31)
8. Parapapira II (3:16)

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[1995] Faith No More - King For a Day... Fool for a Lifetime

Les cuento…

No voy a poder ir al concierto de Faith no More el próximo domingo, variadas son las razones, y creo que ese no es un tema para conversarlo acá, todo lo que puedo decir es que ya es un hecho que me perdí el concierto. Y esto amigos mios, lo descubri hace solo algunos minutos atrás.

Osea, en resumen:

Me perdí la última oportunidad de mi vida de ver a una de las bandas que mas admiro… y estoy deprimido. Así que a modo de terapia, decidí escribir este review “Express” de corrido y sin pararme de mi asiento, ni para ir al baño, de una sola vez, de principio a fin.
Empecemos:

Antes que nada, quisiera aclarar que el “King for a day... Fool for a Lifetime”, no es mi disco favorito de FNM, ese honor le corresponde al genial “The Real Thing”. Pero con esto no quiero decir que “King for a day..” sea menos meritorio, son solo diferentes.

KFD (King For a Day… NO Kentucky Fried Dick.. COCHINOS!) como ya es natural en casi todos los discos rockeros analizados en este humilde blog de barrio, empieza con una “patá en lo`zico” musical,” Get Out” es un tema de esos que te sacan todo el cerumen acumulado por meses de deficiente higiene personal, (yo la tengo de despertador.. muy recomendable). No estoy seguro, pero me parece que este tema, junto a “The Gentle art of Making Enemies”, y “Digging the Grave”, las 2 incluidas en este disco porsiaca, fueron parte de un proyecto de banda que tuvimos con mi amigo personal “Vampiro” a eso de los 15 años, proyecto bastante exitoso a mi parecer, aunque cuando intentamos re-editarlo años después, El resultado fue totalmente opuesto al que esperábamos. Pero bueno, con eso se hacen una idea de lo importante que ha sido este disco, y muchos de sus temas como influencia musical para nosotros

sigamos con esto…

KFD es un disco particularmente variado, de el han salido temas tan diferentes entre si como “Evidence” y “Digging The Grave” sin ir mas lejos, (los 2 singles del disco), pero aun así se mantiene unido y sólido. Supongo que en parte gracias a la magia de Patton. El disco se pasea por estilos tan variados como el funk en “Evidence”, un Bossa nova medio trasnochado en “Carlho Voador” (a todo esto, y a modo de curiosidad, la verdadera intención de Patton con el nombre de esta canción era decir algo parecido a “Pichula” o “Pene” volador… No me creen?, pregúntenle a san Google) y el Rock de verdad como solo FNM sabe administrar, a veces puro y duro, y a veces escondido y casi imperceptible, Pero siempre presente

Pero ya, Me estoy alargando un poco, así que a modo de resumen puedo decir que “King for a Day… Fool for a Lifetime” es uno de los discos mas completos que he escuchado, por momentos te hace poner cara de psicópata mientras caminas por la calle escuchándolo a lo mas que te dan tus picantes audífonos de $1500 (sorry.. somos pobres.. De hecho, Ahora que lo pienso, Nunca he visto un “Ipod” en vivo y en directo, Pero en fin...) y por otros te lleva sobre una nube. Y para hablar del final, simplemente ÉPICO!, pero eso lo dejo para que lo descubran por Uds. mismos..

Espero que leer este intento de review sea tan entretenido para Uds. como fue para mí escribirlo.

Nos vemos pronto

Tracklist:

01 - Get Out
02 - Ricochet
03 - Evidence
04 - The Gentle Art of Making Enemies
05 - Star A.D.
06 - Cuckoo for Caca
07 - Caralho Voador
08 - Ugly in the Morning
09 - Digging the Grave
10 - Take This Bottle
11 - King for a Day
12 - What a Day
13 - The Last to Know
14 - Just a Man

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[1997] Molotov - Dónde Jugarán las Niñas

En el mundo hay bandas que te levantan el espíritu, que te hacen soñar con un mañana mejor, bandas que te hacen volar apenas cierras tus ojos mientras las escuchas… Molotov… no es una de esas bandas…

Molotov se puede definir, a un modo muy simplista con una sola frase:

“no son genios musicales… pero si unos hijos de puta”

A que me refiero.
No digo que la banda sea mala, para nada, o que no interpreten bien sus instrumentos, todo lo contrario, el tema es que la razón por la que destacan como banda, es su actitud, frente a la vida, el mercado, la política y prácticamente todo, “Donde Jugaran las Niñas” es un claro ejemplo de esa actitud, un disco polémico en su años (niños.. aunque no lo crean.. 1997 era una época muy diferente a la actual).

Irreverente por decir lo menos, y totalmente subversivo, basta con decir que cuando las disqueras dejaron de venderlo, la banda salio a la calle a venderlos ellos mismos, causando una avalancha humana que fue seguida con cámaras y helicópteros por la prensa mexicana. En resumen, algo muy pocas veces visto en el “mainstream” de los 90s, sobre todo para una banda latina

Suficiente introducción, pasemos al disco

Todo empieza con: “Que no te haga Bobo Jacobo”, critica social pura y dura, acompañada de un genial bajo y una potente guitarra. Se puede calificar a este disco como “potente”, pero en ese sentido, a mi gusto, la canción que mas destaca, es justamente esta

El disco se mantiene en esa linea (rock/rap/funk) con claras influencias de RATM. Hasta encontrarse con “Voto Latino”, otra tema de crítica, pero en este caso al racismo del país del norte, con un ritmo mas “Bacilon” y lúdico, pero con mucha fuerza también

Por pedido de mi amigo Vampiro y para no aburrirlos hare este review cortito, asi que prosigamos con esto

Los temas de molotov se pueden dividir en 3 tipos:

Los de critica social, siendo “Gimme the Power” el punto mas alto del disco en este caso.

Los humorísticos, con un humor muy negro, y hasta casi de mal gusto para algunos (aclaro, no es mi caso), pudiendo poner a “Puto” como ejemplo

Y el tercer grupo, que en realidad vendria ser la gran mayoria, y que no son mas que los que tienen una mezcla muy bien proporcionado de critica politica/social y humor negro, a mi personalmente los 3 me agradan, y el disco esta en este sentido muy bien balanceado

Por esta ocasión, voy a dejarlos a uds escucharlos y hacerse su propia opinión, asi que los dejo hasta aquí queridos amigos, que estén muy bien, nos vemos pronto

Ah, un ultimo consejo… anda al refrigerador, toma una cerveza (de preferencia BALTICA si vives en chile) Bájate este discazo, tirate en un sillón, acomoda las joyas de la familia… y disfruta del buen Rock/Rap Latino

Tracklist:

1. Que no te haga bobo Jacobo
2. Molotov coktail party
3. Voto latino
4. Chinga tu madre
5. Gimme tha Power
6. Mátate teté
7. Más vale cholo
8. Use it or lose it
9. Puto
10. ¿Por qué no te haces para allá?… al más allá
11. Cerdo
12. Quítate que ma’sturbas (Perra arrabalera)

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[1997] Chancho en Piedra - La Dieta del Lagarto

Si buscamos una banda que represente la idiosincrasia chilena, en mi opinión no hay mejor opción que los chancho en piedra, y la dieta del lagarto es el disco que a mi gusto encierra de mejor manera ese espíritu nacional informal y “weno pal webeo”

La dieta, se puede resumir como un disco muy alegre, el primero de la banda donde el funk empieza a pasar por encima de esa mescolanza de estilos que son los chancho, recordemos que su primera producción, (Peor es mascar lauchas), tenia un sonido mucho mas crudo, por momentos casi Punk. En cambio La Dieta hace mucho mas uso de percusiones, wha wha (guitarra y bajo) y ritmos “bacilones” y bailables

Ahora a lo que vamos. ¿Por que La Dieta del Lagarto es mi disco para el Bicentenario?

Bueno Primero que nada, el 18 es una fiesta, y nada mejor que los chancho para animar una celebración, de hecho, este disco es una fiesta en si mismo, con temas como “Eden” o “Viejo Diablo” que te suben el animo desde la primera nota. Hasta "Da la claridad a nuestro sol” o “Voy y Vuelvo” con un toque mas técnico y a un paso mas lento del resto del disco, pero sin quitarte ese movimiento rítmico constante que te provoca esta producción al escucharla

Y segundo, casi todas las canciones tocan temáticas muy relacionadas con el diario vivir del chileno, como la discriminación positiva a las mujeres lindas (pero tontas) en “Gueina”, la explotación laboral del empresario chileno en “Empresaurio”, el arrivismo en “Huasonico”, o el chaqueteo en “Viejo Diablo”. Todos temas que pueden parecer serios, tristes o molestos, pero vistos bajo el prisma de Chancho en Piedra se transforman en canciones alegres, irreverentes y despreocupadas

Explicado mi punto, Pasamos al Review

Empecemos directamente con “Hacia el Ovusol” Un tema de corte bastante rockero, con fuerte presencia de la guitarra de principio a fin, uno de los mas potetntes del disco, pero no por ello lo podemos clasificar de pesado, aparte, no pierde el aire funky en ningún momento, el que se mantiene en parte con una línea de bajo algo mas compleja que la de la guitarra, pero manteniéndose siempre cercana a esta

Saltémonos un par de tracks y pasemos directamente a “Edén”

“Edén” es lejos el tema mas alegre del disco, mucha percusión, una letra increíblemente optimista, un marcado wah wah en la guitarra y un bajo bien definido, conforman esta gran pieza musical de alegría y webeo continuo, este tema es mi favorito de “La Dieta” (y quisas de todos los discos de “los chancho”), se los dejo para que juzguen por uds mismos, pero les digo desde ahora, Les va a encantar

Saltándonos otro par de tracks nos encontramos con “Empresaurio”, donde el protagonista indiscutido es el bajo, el que recuerda a flea desde del primer segundo, un terma muy rápido y enérgico, con unos toques setenteros a cargo de un órgano de fondo a la mitad de la canción, y una letra que se toma en tono irónico las condiciones de trabajo del oficinista chileno, un tema muy potente, de esos que se saltan como si se estuviera mal de la cabeza en los conciertos

Y seguimos...

“Sami” nos cuenta la historia de un perro que se enfrenta ante la determinación de irse de casa al darse cuenta de que su amo ha dejado de ser un niño y ya no se interesa en el, este es quizás el tema mas triste del disco, aunque no lo es del todo. Además es el tema mas largo de la placa, con un punteo al final, que dura casi la mitad del tema, y que si bien es algo monótono, es bastante agradable

“Comiendo Banana” es otro tema con historia, en este caso la de un “mono” que es detenido por las autoridades de la jungla por consumir bananas (una analogía a la marihuana), con un ritmo bastante funky y hasta se podría decir “selvático”, canción tanto en música como en lírica muy lúdica y entretenida

“Da la Claridad a Nuestro Sol” es otro tema más calmado, pero a diferencia de “Sami”, este mantiene una línea constante por casi toda la canción. Reaparece la percusión, un bajo más tranquilo y disciplinado que en otros temas, pero sin dejar de ser llamativo, aparecen también los bronces. Y remata con un punteo muy acorde al resto de la canción, el que nos deja muy claro que a veces menos… es mas

Ahora… No podía dejar pasar este tema, aunque a Vampiro, nuestro venerado editor en jefe, le moleste que me extienda mucho en mis Reviews, no puedo dejar pasar este clásico de Los Chancho.

“Viejo Diablo”, un tema totalmente setentero, mucho Funk, casi Disco, como siempre, el bajo lleva la batuta, pero esta vez acompañado de violines (seguramente sintetizados) y una batalla entre percusión y tornamesa remplazando lo que comúnmente es el “punteo”, la batería se mantienen en juegos de hi-hat durante casi todo el tema, totalmente bailable, simplemente excelente!

Y nos vamos con “Voy y Vuelvo”

“Voy y Vuelvo” es algo diferente en su estructura que cualquier otro tema del disco, dividido en 2 partes, la primera muy similar a lo que nos tenia costumbrados la banda con respecto a temas “lentos”, la segunda, bastante mas oscura dentro de lo que se puede considerar como oscuro para los chancho en piedra, pero sin perder la esa esencia que tanto caracteriza a este genial grupo nacional. Un interesante cambio en la línea de la banda, cambio que empezaría a notarse más en posteriores producciones. Pero ese es otro tema

Y con esto me despido.

Les deseo un feliz Bicentenario (si, se que en realidad es en 8 años mas, pero hay que celebrar igual mierrr…) y eso… tomen harto, coman harto, y escuchen la dieta del lagarto… jejeje

Tracklist:

01.- "Mea chucha” -01:01
02.- “Hacia el Ovusol” -03:42
03.- “Huevos revueltos” -04:47
04.- “Edén” -04:14
05.- “Gueina” -01:21
06.- “Realizó todo Bien” -04:32
07.- “Empresaurio” -03:15
08.- “Rojito veo el mundo” -03:48
09.- “Sami” -07:15
10.- “¡Maestro… ‘las casitas’!” -00:45
11.- “Cacho” -03:09
12.- “Huasónico” -04:09
13.- “Comiendo banana” -05:25
14.- “Da la claridad a nuestro sol” -04:58
15.- “Viejo diablo” -06:36
16.- “Del por qué se cohíbe el ano en casa ‘jena” -04:21
17.- “Voy y vuelvo” -06:26

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[1973] Pink Floyd - Dark Side of the Moon

Por carencia de realidad navego por lo mas recóndito de mi mente en busca de espacios habitables donde reposar mi lánguido cuerpo, experiencia extra corporal que incrementa mis  sentidos  y eleva mi nombre al grabado de una nube... extenso  espacio entre todo y yo con susurros en el viento donde suena  Pink Floyd .

por APMA

10/10

Tracklist:

1. Speak to Me/Breathe in the Air
2. On the Run
3. Time/Br
4. The Great Gig in the Sky
5. Money
6. Us and Them
7. Any Colour You Like
8. Brain Damage
9. Eclipse

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